Tal vez sea una ilusión, pero Cannes siempre parece terminar en una carrera loca, ya que los teatros del festival aprietan a los últimos aspirantes a los premios. (Dos nuevas películas de la competencia se estrenaron el viernes, un día antes de que se entregue la Palma de Oro. Dar tiempo al jurado para pensar en sus decisiones no es un requisito de Cannes). Consideremos a los cuatro finalistas por turno.
de Catalina Breillat “El verano pasado,” su primer largometraje desde “Abuse of Weakness”, más o menos autobiográfica, hace 10 años, la encuentra volviendo al modo característico de provocación sexual (“Fat Girl”, “Anatomy of Hell”). Técnicamente, es un remake de la película escandinava “Queen of Hearts” (2019), aunque si no me falla la memoria de esa película, este es un tratamiento mucho más considerado y cortante, especialmente en lo que respecta a su final.
Anne (Léa Drucker) es una abogada que defiende con frecuencia a víctimas de violación y, por lo tanto, sabe algunas cosas sobre la dinámica del poder y cómo los testigos pueden ser acusados de mentirosos, una habilidad que resultará útil en su vida personal. A pesar del peligro evidente, se ve atraída y perpetuando una relación sexual con su hijastro de 17 años, Théo (Samuel Kircher), ante las narices de su marido y su padre, Pierre (Olivier Rabourdin).
Breillat está interesado en una serie de cosas aquí: probar la incomodidad de los espectadores, representar directamente el deseo femenino (una de las escenas de sexo mantiene la cámara en primer plano en la cara de Anne), defender el derecho a la hipocresía sexual. Aún así, “Last Summer” es bastante dócil para los estándares de Breillat, y no creí ni por un segundo que estos personajes alguna vez se involucrarían entre sí. Pero quizás la película merece un poco de licencia en ese punto.
“Días perfectos”es la segunda película de Wim Wenders en Cannes este año, tras el documental en 3-D “Anselm”, una inmersión en la obra del artista Anselm Kiefer. Este largometraje de ficción fue filmado en Tokio (que se ve sensacional en la paleta eléctrica del director de fotografía Franz Lustig) y está casi en su totalidad en japonés. Koji Yakusho interpreta a Hirayama, un conserje de baño que no es mudo pero que en su mayor parte no habla. No sería nada sorprendente que el discreto rendimiento físico de Yakusho gane un premio el sábado.
Gran parte de la película consiste simplemente en ver a Hirayama conducir por Tokio, limpiar los baños, jugar un juego continuo de tres en raya con un jefe misterioso que le deja una hoja de papel en uno de los baños y/o escuchar la Animals, Nina Simone o cualquier otra persona que Wenders quiera incluir en la banda sonora. (Lou Reed, naturalmente, proporciona el título). Eventualmente, la sobrina de Hirayama (arisa nakano) aparece en la puerta de su casa y, durante un breve tramo, “Perfect Days” casi tiene trama. La película parece mucho más una obra de humor de los Wenders que hicieron “Kings of the Road” y “Paris, Texas” que los Wenders que hicieron “Palermo Shooting” (2008), la desastrosa última incursión del director en la competencia de Cannes. Pero mientras que las secuencias de sueños en blanco y negro agregan un elemento de misterio, “Perfect Days” finalmente se siente un poco leve.
de Alice Rohrwacher“La Quimera” es un contendiente tardío a la película más extraña y menos clasificable en competencia. Está protagonizada por Josh O’Connor como Arthur, un inglés en Italia que se convierte en parte de un grupo que gana dinero localizando, excavando y saqueando tumbas etruscas, vendiendo las antigüedades a una figura misteriosa llamada Spartaco (presumiblemente como en el “I’m Spartacus” escena de “Spartacus”: podría ser cualquiera, pero no lo es).
Rohrwacher (“The Wonders”, “Happy as Lazzaro”) siempre ha tenido un enfoque oblicuo de la narrativa, y toma un tiempo ver “La Chimera” solo para tener una idea completa de las implicaciones del esquema. Sin embargo, no se necesita mucho tiempo para ver que se trata de una película inventiva sin descanso, que mezcla películas (Hélène Louvart hizo la cinematografía) y relaciones de aspecto y se mueve con fluidez entre la lógica del sueño y la realidad. El humor es poco convencional (en los minutos iniciales, Arthur golpea a un vendedor de calcetines en un tren, y hay una escena tardía que involucra una venta de arte en el mar que bien podría haber salido de una secuela de “Austin Powers”). Encontré “La Quimera” completamente fascinante y completamente inestable. “Happy as Lazzaro” me tomó dos visiones para apreciar, y sospecho que ese será el caso aquí también.
El título del nuevo drama de Ken Loach, “El Viejo Roble”, se refiere al nombre de un pub que se convirtió en territorio en disputa en una ciudad del norte de Inglaterra en 2016. Los lugareños de toda la vida resienten el declive de su antigua comunidad minera y ven un chivo expiatorio en la reciente afluencia de refugiados de Siria. TJ Ballantyne (Dave Turner), el dueño del bar, duda en ayudar a los recién llegados, apostando a que los locales xenófobos paguen sus cuentas. Pero se entusiasma con Yara (Ebla Mari), una fotógrafa, que le ayuda a ver que un viejo valor durante los días del sindicato minero, la idea de que si la gente come junta, permanecerá junta, podría ser la solución para cerrar un sinsentido. grieta.
Loach puede ser farisaicamente didáctico (“I, Daniel Blake”, que le valió su segunda Palma de Oro en 2016, disfrazó una posición política libre de matices como una declaración existencial), pero “The Old Oak” es uno de los películas más sólidas de su larga trayectoria con el guionista Paul Laverty, con quien ha trabajado desde finales de la década de 1990. Eso es fiesta porque antepone el carácter. TJ y Yara no son simples peones en la sociedad, sino que tienen motivos genuinamente complejos influenciados por sus vidas y por la historia. Lamentablemente, la inclinación de Laverty por convertir lo que debería ser un subtexto en largos discursos no ha desaparecido por completo, y la crueldad que inflige a un perro se siente como algo que él y Loach agregaron solo para aumentar el factor de miseria (hay sombras del final de “Kes “). Pero esto sigue siendo algo bastante poderoso.
Finalmente, debo regresar para abordar dos películas de competencia que se estrenaron anteriormente en el festival y que nunca mencioné.
Kaouther Ben Hania´s“Cuatro hijas” es, junto con “Youth (Spring)” de Wang Bing, uno de los dos documentales en competencia este año; la mayoría de los años no tienen ninguno. Se centra en Olfa Hamrouni, una madre tunecina que tuvo dos hijas que huyeron para unirse al Estado Islámico en Libia. Francamente, este fue solo un caso en el que luché mucho para absorberme en la película, un problema que siempre se puede atribuir al síndrome del festival: tratar de ver demasiadas películas en muy poco tiempo. Pero “Four Daughters” utiliza una cierta cantidad de trucos conceptuales (mezcla de actores y personas reales en recreaciones) que tiende a distraer la atención de la historia. Me pregunté si podría haber sido más fascinante como un documental directo.
y el de Ramata-Toulaye Sy Banel y Adamatuvo la desgracia de que su proyección principal para la prensa terminara solo tres minutos antes del comienzo de “Killers of the Flower Moon” de Martin Scorsese, lo que significa que cualquier periodista preocupado por su presión arterial fue directamente a Scorsese y se encontró con “Banel & Adama” más tarde, en todo caso. Por lo que pude ver, eso tuvo el efecto de dispersar la atención sobre la película de Sy.
“Banel & Adama” es su debut como directora. (Ella participó en el guión de “Nuestra Señora del Nilo”, dirigida por Atiq Rahami, quien está en el jurado este año). Se trata de la pareja principal, que vive en la zona rural de Senegal. Banel (Khady Mane) estaba originalmente casado con el hermano de Adama, pero Adama (Mamadou Diallo), según la tradición, se casó con ella después de la muerte del hermano. Y Adama, de 19 años, se resiste a asumir el cargo de jefe de aldea.
Estoy con el aparente consenso sobre este: otras críticas generalmente han notado la falta de coincidencia entre las imágenes abrasadoras de la película y su narrativa irregular, en la que la exposición es directa o MIA.