Hola amigos, y bienvenidos de nuevo a Wrong Every Time. De alguna manera, un nuevo año está sobre nosotros, y espero que todos estén haciendo todo lo posible para tener en cuenta ese hecho de cualquier manera que lo haga existencialmente menos aterrador. Personalmente, he estado demasiado ocupado para quedarme horrorizado ante el paso del tiempo: la última semana me ha visto compitiendo para ponerme al día con las mejores producciones del año pasado y, con suerte, reunir un resumen anual casi oportuno. Pero no se preocupe si eso disminuye los spoilers habituales de Week in Review; Estoy sentado en un búfer saludable de reflejos de películas en este momento, y he seleccionado a mano un grupo de reflejos que van desde la conclusión de nuestro proyecto de filmografía de Naruto hasta el hundimiento de la cara de Ted Raimi. ¡Comencemos con la primera semana de revisión del año!
Primero, nuestro viaje a través de la filmografía de Naruto continuó con Naruto Shippuden: Camino a Ninja. Road to Ninja es una de las películas más inusuales del canon de Naruto, una de las más desequilibradas y también una de las mejores. La presunción de la película se basa en los poderes de cambio de realidad introducidos a finales de Shippuden para arrojar a Naruto y Sakura a una realidad alternativa, una en la que los padres de Sakura eran los héroes que se sacrificaron por la aldea, mientras que los padres de Naruto están vivos y bien. Junto con este cambio, básicamente todas las personalidades de los aldeanos se han alterado o cambiado de alguna manera, lo que ha dado como resultado nuevas construcciones que van desde “Shikamaru el idiota” hasta “Kiba el chico gato”.
Técnicamente, la película se basa en una presunción única que ya se presentó en Shippuden, pero mientras que el episodio de Shippuden usa principalmente esta idea para hablar sobre los jóvenes ninjas alterados, Road to Ninja tiene prioridades bastante diferentes. A pesar de la resistencia inicial de Naruto a esta nueva realidad, finalmente se deja seducir por la perspectiva de una familia genuinamente amorosa y disfruta de la alegría del tiempo que pasa con sus futuros padres. Lo que sigue es uno de los dramas de personajes más conmovedores e íntimamente observados en todo Naruto, con Naruto y Sakura reevaluando sus propias identidades y llegando a una mejor comprensión mutua en el proceso.
La expresión de esta película de Naruto haciendo las paces con las elecciones de sus padres fue tan nítida y convincente que en realidad me hizo desear que este ritmo viniera de la producción principal. Dicho esto, la película también tiene algunas debilidades serias: el tiempo que pasa con los otros ninjas del universo alternativo es en su mayoría un aburrimiento predecible, y el villano final es insatisfactorio y una clara ruptura con la lógica establecida en este mundo. Aún así, tomaré la torpeza si se encuentra junto a material tan bueno como el tramo medio de esta película, que se erige como uno de los mejores trabajos de personajes que Naruto o Sakura han recibido.
Luego terminamos el catálogo de Naruto con El último: Naruto la película, que intenta cerrar la brecha entre el final de Naruto y el comienzo de Boruto al transmitir el romance de Naruto y Hinata. Es cierto que esta es una batalla cuesta arriba; Básicamente, Naruto nunca le dio a Hinata una segunda mirada a lo largo de la serie, lo que significa que la totalidad de su “historia legendaria” se compone de esa vez que Naruto impidió que Hinata fuera intimidada, esa vez que ella lo miró en la academia ninja, y esa vez ella luchó por él durante la saga Pain.
Es una receta delgada para un romance legendario, pero eso solo deja más espacio para que Hinata sea su habitual encogimiento violeta, mientras se gradúa de la ansiosa entrega de regalos para en realidad tener una pequeña charla con su amado Naruto. Sakura también se destaca aquí, aceptando alegremente el papel de confidente de Hinata en todos los asuntos románticos. Combine eso con el uso evocador de los sueños y el montaje de la película para extraer líneas de los recuerdos del elenco, y termina con una película que es, al menos, un triunfo para la propia Hinata, si no una venta convincente de Hinata y Naruto como pareja. .
Luego revisamos una adaptación de otra historia de Clive Barker, El tren de la carne de medianoche. En su forma de prosa, esta historia es austera, alienante y breve; una colección delicadamente ilustrada de encuentros en el metro, que se desarrolla hasta una conclusión de otro mundo y enfáticamente hostil a la adaptación. Francamente, parece una elección incómoda para convertirla en una película, pero el director Ryuhei Kitamura captura hábilmente las variables clave de la fuente: las sombras sucias de las calles de Nueva York, el anonimato con vetas plateadas de los subterráneos nocturnos y esa figura imponente, aparentemente inexistente. hace unos momentos, ahora marchando siniestramente por su vagón de metro.
La película tiene que estirar un poco el material original para llenar el tiempo de ejecución de una película completa, y la conclusión todavía no funciona fuera de los límites de la prosa, pero The Midnight Meat Train es una adaptación encomiable del cuento de Barker. Vinnie Jones encaja tan perfectamente con el carnicero central de la película que, en retrospectiva, no podía imaginar a nadie más manejando el papel, mientras que Bradley Cooper le da una respetabilidad de primera al ambiguo primer acto de la película, como para asegurarle al público que esta película no usted De Verdad ir hasta el final en el derramamiento de sangre de la película B. Esa promesa se rompe rápidamente con un martillo en la cabeza de Ted Raimi (siempre es bueno verte, Ted), y si Kitamura no es exactamente el mejor en crear una sensación de pavor que se construye lentamente, lo compensa con las habilidades de la coreografía de acción. demostrado en el último acto de la película. En general, The Midnight Meat Train es algo desigual, pero posee fortalezas más que suficientes para ganar una recomendación, especialmente si eres fanático de Barker.
El siguiente fue burbuja, una película de anime reciente sobre un mundo del futuro cercano en el que Tokio ha caído bajo el velo de una enorme burbuja brillante, dentro de la cual los adolescentes huérfanos compiten en batallas de parkour de alto riesgo. Aunque la película está escrita por Gen Urobuchi, el guión es tan mínimo que realmente no puedes sentir su mano; es más o menos un recuento directo de La Sirenita, con un poco de un ángulo de competencia adolescente injertado para darle sabor. Mucho más evidente es la presencia de Tetsuro Araki como director; La razón fundamental de la existencia de Bubble son sus secuencias de parkour que recuerdan a Attack on Titan, en las que las cámaras se precipitan alrededor de los personajes mientras flotan como mariposas sobre los tejados y los escombros de Tokio.
La construcción del mundo de Bubble es demasiado complicada y su historia de amor está poco hecha, pero cada una de esas secuencias de carreras hace que las quejas sobre ellas se sientan algo equivocadas. La película solo quiere ser una experiencia visual, y entre las deslumbrantes secuencias de carrera, los fondos nacarados y el departamento de maquillaje cada vez más confiable de Wit Studio, ciertamente lo logra. No esperes que te sorprendan, y es probable que lo pases bien.
Nuestra última visita fue La invitación, protagonizada por Nathalie Emmanuel (probablemente mejor conocida como Missandei en Game of Thrones) como una joven estadounidense que descubre que en realidad está relacionada con una familia inglesa longeva, y es rápidamente llevada para asistir a una boda familiar. Al llegar a un elegante castillo en Inglaterra, pronto descubre que su nueva familia posee algunos secretos muy antiguos y peligrosos.
Tenía muchas ganas de que me gustara La invitación; encaja perfectamente en ese divertido subgénero de terror de “cómete a los ricos” ejemplificado por películas como Ready or Not y You’re Next, y Emmanuel es una excelente actriz. Desafortunadamente, ella está aquí defraudada por una narrativa que pasa mucho, mucho, demasiado tiempo reflexionando sobre el misterio de “qué cosa siniestra está sucediendo aquí”, y muy poco tiempo disfrutando de los frutos de ese misterio revelado. El personaje de Emmanuel navega alegremente más allá de una docena de banderas rojas durante su estadía en Inglaterra, lo que resulta en una experiencia para la audiencia que es menos “irónica dramática deliciosamente dolorosa” y más “gritar a los personajes para que dejen de hacer esas estupideces”. Todo eso, y ni siquiera triunfa como terror, ofreciendo nada más escalofriante que varios baches en la noche. Un salto desafortunadamente fácil.
