Thu. Feb 2nd, 2023

Hola amigos, y bienvenidos de nuevo a Wrong Every Time. Hoy tengo un toque de sonido y furia para todos ustedes, ya que las proyecciones de la semana incluyeron una película que odié con cada fibra de mi ser. Sí, de hecho vimos el detestable remake del Rey León de Favreau, así que todos pueden disfrutar de una pizca de esa furia desnuda que solo dirijo a las cosas que empeoran el mundo. Afortunadamente, el resto de las proyecciones de esta semana fueron mucho más fortuitas, desde un artefacto distintivo de la transición digital del anime hasta una excelente película slasher. ¡Comencemos con lo malo y sigamos adelante con lo bueno, mientras repasamos la última Semana en revisión!

Animados por la insistencia de mis compañeros de piso, dimos seguimiento al visionado de la semana pasada de El rey León con su reinvención CG 2019. Bueno, “reimaginar” es probablemente la palabra incorrecta, ya que no pude analizar ni un ápice de imaginación en ningún aspecto de esta película maldita. ya me esperaba lo malo que seria aspecto: en las manos de gancho de carne de Jon Favreau, cada hermoso color, cada composición deslumbrante y cada fragmento de actuación del personaje se extrae del original. En su insensata búsqueda del presunto fotorrealismo, se asegura de que cada toma de esta película se sienta desenfocada y aburrida, aspirando a nada más que mantener a sus inexpresivos animales generados por computadora más o menos en la mitad del cuadro. Una vez que las secuencias de canciones dinámicas y ricas en colores pierden por completo su atractivo; apenas puedes ver lo que sucede en el turbio Be Prepared, mientras que I Just Can’t Wait To Be King abandona cualquier tipo de narración visual más allá de “aquí hay algunos animales en la pantalla”.

Pero Favreau siempre ha sido un truco, y “busquemos el fotorrealismo en lugar del arte” siempre ha sido un ejercicio inherentemente inútil. Qué hizo Lo que me sorprendió de esta película fue lo mucho que se quedó corta con respecto a la original, incluso cuando ignoras las imágenes. La escritura es más torpe y menos enfocada, aparentemente más interesada en demostrar “¡oye, tenemos actores de voz famosos!” que contar una historia. Y la mezcla de canciones es atroz, con instrumentos completamente sumergidos y voces demasiado altas en la mezcla, de una manera que resalta aún más lo mal que se comparan las melodías vocales con sus contrapartes originales. Casi la única interpretación vocal que se compara favorablemente con la original es la de Donald Glover, pero ni siquiera él puede superar los defectos de producción. Esta versión de El rey león es “la original pero dramáticamente peor” en todos los sentidos que puedas imaginar, tomando una película que asombró a millones y regurgitándola como un ejercicio cínico para explotar las prioridades de la audiencia fuera de lugar. Favreau, lo has vuelto a hacer.

Luego completamos nuestro repaso de lo que mi compañero de casa clasificó como “los Rocky esenciales” (Rocky 1 a 4) con una visualización de rocoso iii, donde Stallone se enfrenta al encantador Clubber Lang (Mr. T). Mientras escribía sobre Rocky II, reflexioné sobre cómo las películas de Stallone tienden a encajar en los modelos de estudio de personajes o de machismo hurra; Rocky III marca el punto de transición entre esos modelos, ya que nuestro protagonista pasa de ser un hombre perseguido por sus demonios a un superhéroe que lucha contra un supervillano.

El primer partido fallido de Rocky contra Lang se siente como la conclusión de la historia inicial de Rocky: va hasta el final con el campeón, finalmente gana el campeonato, pierde la fe en la validez de sus logros y es castigado por un trágico recordatorio de lo que es realmente valioso. en la vida. La escena de Stallone llorando junto a su entrenador moribundo es una de las mejores de su carrera; en ese momento, todas sus ansiedades acerca de las “ganancias reales” resultan insustanciales, ya que miente con entusiasmo sobre su desempeño para calmar las preocupaciones de su entrenador. En su mejor momento, Stallone puede evocar una tragedia muy parecida a De Niro en manos de Scorsese, un emblema picado de viruela del poder masculino en un mundo donde tal fuerza solo puede traer la ruina.

Luego aparece Carl Weathers, tenemos un alegre montaje de entrenamiento, y Stallone le da una paliza al Sr. T en su revancha. Así que sí, en última instancia, una película algo inconexa, pero, sinceramente, disfruté bastante de sus dos mitades. Hay cosas que adorar tanto de Stallone, el macho, como de Stallone, el crítico masculino, y Rocky III ofrece una porción ganadora de cada uno.

El siguiente fue Confinado en casa, una comedia de terror de Nueva Zelanda sobre una joven llamada Kylie (Morgana O’Reilly), que es sentenciada a ocho meses de arresto domiciliario en la casa de su antigua familia después del último de una serie de delitos menores. Una vez allí, se reencuentra con su parlanchina madre, quien parece creer que hay algún tipo de presencia acechando en su casa. Con el tiempo, Kylie comienza a presenciar algunos eventos inexplicables propios, lo que lleva a una investigación paranormal de los secretos más oscuros de la casa.

Housebound es definitivamente más comedia que terror, pero tiene éxito en ambas esferas, ofreciendo muchas recompensas cómicas dementes y un elenco de personajes inmensamente agradable. No comienza de esa manera; El personaje de Kylie está tan profundamente absorto en sí mismo que lleva algún tiempo involucrarse en su historia, y su madre interpreta hábilmente el papel de alguien que es a la vez “agradable” pero con quien es imposible vivir. Pero una vez que el oficial de arresto domiciliario, el investigador paranormal Amos, se involucra, la película se convierte en una cacería de fantasmas apasionante y siempre divertida, con muchos giros satisfactorios y algunos efectos prácticos deliciosamente pegajosos. El acto final de Housebound ofrece una fusión perfecta de la tensión del gato y el ratón y la liberación cómica, con una mordaza tan buena que tengo que apretar los dientes para evitar estropearla. Ligero, encantador y de construcción inteligente, Housebound es un reloj gratificante para los fanáticos de la comedia o el terror, y probablemente una buena película de “terror de entrada” para aquellos que están reuniendo el coraje para acercarse al género.

Luego proyecté una película de anime que ha estado en mi lista por un tiempo, Hiroyuki Kitakubo’s Sangre: el último vampiro. La película dura solo cuarenta y cinco minutos y es esencialmente solo una serie de escenas de acción, siguiendo a la cazavampiros Saya desde una confrontación en el metro hasta la base aérea de Yokota, mientras persigue a una serie de bestias sedientas de sangre.

La trama de la película no es particularmente interesante, pero básicamente todo lo demás sobre esta producción sí lo es. El entorno, para uno; “una base aérea estadounidense en Japón durante la década de 1960” es un entorno específico y novedoso, y facilita la combinación segura de inglés y japonés de la película. Blood también se siente como un reflejo de múltiples puntos de inflexión en la historia de la producción de anime. Como un largometraje teatral corto concebido como la base de una franquicia, se remonta a la historia temprana de películas de prestigio impulsadas por creadores y OVA de Production IG, mientras que como una película concebida en gran medida para demostrar el potencial de la animación digital, obviamente presagia la adopción a gran escala de la industria digital. métodos. Y lo más importante, realmente funciona: los diseños distintivos de los personajes de Katsuya Terada combinan bien con los componentes digitales, y la estética generalmente oscura de la película hace un excelente trabajo al enmascarar las costuras de sus diversas partes. Una instantánea interesante de un momento muy diferente en la historia de la producción de anime.

Lo último de la semana fue un slasher semiclásico, La casa en Sorority Row. A pesar de su título poco inspirado, Sorority Row resultó ser un slasher distintivo y completamente superior, elevado por su estructura narrativa singularmente atractiva, guión inusualmente ingenioso y actuaciones sólidas en todo el elenco principal. La película sigue a un grupo de hermanas de la hermandad que intentan gastarle una broma a la madre de su dormitorio, solo para matarla accidentalmente en su lugar. Con la hermandad organizando una fiesta en horas, el grupo elige esconder el cuerpo en su piscina en desuso, precipitando una hora ansiosa de intentar ocultar su crimen mientras un misterioso asesino los atrapa lentamente.

En lugar de la pandilla habitual de víctimas anónimas que a menudo encuentras en estas funciones, el elenco de Sorority Row es distintivo y dinámico, presenta subdivisiones claras de camarillas entre el grupo social en general y muchas personalidades importantes entre ellos. La relativa culpabilidad de estos personajes los empuja en direcciones extrañas y llenas de pánico incluso antes de que comiencen los asesinatos, mientras que el contraste de violencia y jolgorio le da al acto central de la película una energía frenética, casi delirante. La película incluso toca de manera efectiva la tragedia del legado de esta madre del dormitorio, aprovechando esa veta siempre fértil de experiencia que codicia la juventud. Curiosamente, el elemento más débil de esta película slasher es en realidad el corte: las muertes no son particularmente distintivas ni dan miedo, pero cuando el andamiaje que las rodea es tan impresionante, es una falla fácilmente perdonable.

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