Hola amigos, y bienvenidos de nuevo a Wrong Every Time. Espero que todos se mantengan abrigados durante estos interminables días de invierno, y me complace informarles que tengo una sólida pila de reflexiones cinematográficas listas para su lectura. También he estado continuando mi viaje a través del anime del pasado; Después de someter a mis compañeros de casa a ochenta episodios de Tomino, pensé que era hora de pedir sugerencias a la multitud y, por lo tanto, Outlaw Star sirvió como nuestro último proyecto de anime. La última vez que vi Outlaw Star fue en fragmentos episódicos después de la escuela en Toonami, por lo que fue una explosión de nostalgia volver con su tripulación, y aún más satisfactorio darme cuenta de que Outlaw Star es simplemente un buen momento. Probablemente pronto haga algunas ideas compuestas sobre el programa, pero por ahora, ¡repasemos una nueva selección de largometrajes!
En primer lugar, nuestra marcha continua a través de slashers de dudosa canonicidad nos llevó de regreso a la franquicia Scream, mientras cargábamos a través de Grito III y Grito IV en rápida sucesión. Con el primer Scream definiéndose a sí mismo a través de su meta comprensión de la convención de la película slasher, y el segundo arreglándoselas con las convenciones inherentes a las secuelas de terror, las selecciones conceptuales son comprensiblemente más escasas para estas entradas posteriores.
La tercera entrada habla un poco sobre las convenciones de las “trilogías de terror”, pero, francamente, no hay mucho que profundizar allí. Mucho más eficaz es su presunción de película dentro de una película, en la que una racha de asesinatos trastornó la producción de Stab 3 en el universo, la tercera película adaptada del libro escrito por el reportero del universo Gale Weathers sobre los primeros asesinatos de Scream. . Sí, nuestros niveles de metanarración se han anidado de manera imposible, pero ver a los personajes correr por un plató diseñado para evocar los escenarios reales del primer Scream es, sin embargo, un concepto extrañamente atractivo, y ver a Gale Weathers enfrentarse a una actriz que evoca sus cualidades más desagradables. es un placer
Para Grito IV, Wes Craven pasa necesariamente de los comentarios sobre las secuelas a los comentarios sobre las nuevas versiones, lo que, por supuesto, va acompañado de una repetición dramática de la narración del primer Scream, que ahora presenta a los sobrevivientes originales de Sidney, Dewey y Gale como los veteranos endurecidos de la ciudad. Hay una especie de diversión barata admirando la aproximación cercana pero no del todo de Craven de su propio éxito anterior, con actores que fueron elegidos claramente para verse y sonar como sus predecesores. Pero lo que verdaderamente justifica esta película, más allá del desvanecimiento del encanto de los meta engaños de la franquicia, es que las muertes son en realidad tensas y espantosas. Parece extraño decirlo con respecto al director de La última casa a la izquierda y Las colinas tienen ojos, pero las películas de Scream siempre han sido un tipo de slasher bastante casto y no amenazador, y aumentar el desorden de los asesinatos hace un buen trabajo. trabajo de justificar esta película.
Nuestra próxima visita fue Disparan a los caballos, ¿no?, un drama psicológico del 69 centrado en una competencia de baile de la era de la Depresión. Con el encanto de las comidas provistas y un premio de $1500 esperando a la última pareja en pie, las parejas deben bailar hasta cansarse durante días, semanas y, finalmente, meses, ganando solo un descanso de diez minutos por cada dos horas de baile. ¿Quién tendrá éxito, quién fallará y quién ganará los corazones de nuestra graciosa audiencia? ¡Es el espectáculo del siglo amigos, así que aseguren sus asientos y animen a esos niños!
Desde la yuxtaposición inicial de las reglas de la competencia de baile y las reflexiones del protagonista Robert sobre un caballo siendo sacrificado, el punto temático central de They Shoot Horses es claro. Incluso mientras esperan en la fila por sus boletos, los jugadores clave reflexionan sobre cuánto se parecen al ganado, y Gloria, la compañera de Robert, afirma que “somos peores que el ganado, porque sabemos que viene el martillo”. Pero un tema no necesita ser sutil para ser impactante, y a medida que se desarrollan dos horas de agotamiento físico y crueldad deliberada por parte de su maestro de ceremonias, la capacidad de la humanidad tanto para el esfuerzo como para la deshumanización se vuelve clara en cada cuerpo tembloroso y mirada de mil metros. Las competencias de baile como esta caen en una tradición de espectáculo humano de “al menos lo tienen peor” que se extiende desde leones contra cristianos hasta los juegos del hambre y el calamar, pero aquí, ni la fantasía ni la distancia histórica pueden protegernos del reconocimiento de la filosofía de nuestro maestro de ceremonias. . La gente miserable quiere ver la miseria, y ¿es eso tan malo?
Llegas a odiar al maestro de ceremonias del baile Rocky (Gig Young) casi tanto como lo hacen los bailarines reales, tanto por su implacable indiferencia ante el sufrimiento que causa, como por su comprensión no deseada de que la crueldad es lo que la audiencia realmente quiere. A medida que se acumulaban las semanas de tortura, me acordé de esa frase de The Sea Wolf: “Hay un límite para que un hombre soporte solo para mantenerse con vida”. Hay algo trágicamente edificante en cuánto soportan estos bailarines para mantenerse con vida, pero en última instancia, sus sueños de gloria no valen más que la curiosidad ociosa de un ganado sobre el destino de su cinta transportadora. Una película furiosa y apasionante.
El siguiente fue La fiebre del oro, que me sirvió de introducción a la filmografía de Charlie Chaplin. Resulta que este tipo de Chaplin es bastante divertido, y cien años de desarrollos cinematográficos no han hecho básicamente nada para disminuir el arte o el impacto de su comedia. Incluso con la forma básica en que Chaplin se pasea por la pantalla, está claro que es uno de esos raros comediantes que tiene un control físico absoluto de su cuerpo y puede contorsionar cualquier músculo de la manera correcta para lograr un efecto cómico óptimo. Y su dominio de la pantalla en sí es igualmente refinado; Básicamente, con todos los aspectos de la producción de esta película en sus manos, crea una combinación perfecta de escenografía y ejecución física, con el efecto final escandalosamente cercano a la comedia visual holística de un gran Looney Tune.
La fiebre del oro migra cómodamente de escenario en escenario, su comedia va desde caídas de ballet hasta malentendidos trágicos y la forma correcta de cocinar y comerse un zapato. Aunque claramente la narrativa no es su prioridad, sin embargo teje un camino narrativo coherente a partir de las aventuras de Chaplin en la frontera de Alaska, confiando con éxito en el encanto inocente de su personaje Tramp. Ver El vagabundo de Chaplin me hizo comprender por qué Rowan Atkinson interpreta a Mr. Bean sin palabras; en este ámbito de elegante comedia física y emociones humanas fundamentales, las palabras solo abarrotarían el drama y restarían valor a la pureza de la emoción tal como se transmite a través de la expresión y el lenguaje corporal. Chaplin fue el primero y probablemente el mejor de estos genios cómicos, y su trabajo es tan divertido y formalmente impresionante hoy como el día en que se lanzó por primera vez.
Luego vimos peepingtom, un Michael Powell de 1960 que hasta esta semana se erguía como el eslabón perdido más importante en mi formación cinematográfica de terror. Peeping Tom causó tal escándalo cuando se estrenó que en realidad dañó la carrera de Powell, pero desde entonces ha sido reconocido como uno de los predecesores clave de la transformación del terror en los años 70 y 80, así como una obra maestra por derecho propio. .
La película se centra en un aspirante a director de cine llamado Mark, a quien nunca se le ve sin su cámara de confianza a mano. Hay una razón para eso: el padre de Mark dedicó la infancia de su hijo a seguir sus propios estudios sobre el miedo y, por lo tanto, Mark pasó cada momento de su juventud tanto frente a la cámara como a merced de su sádico padre. Como resultado, Mark ha crecido tímido y dedicado a continuar el trabajo de su padre, hasta el punto de que mata a las mujeres simplemente para poder capturar sus expresiones de terror mortal.
Incluso como un espectador moderno con cientos de películas de terror a sus espaldas, el encuadre voyeurista de Peeping Tom y su incómodo asesino humano lo convierten en una experiencia visual inquietante. Está claro que Powell estaba luchando con la naturaleza inherentemente voyerista del cine, con su extraña mezcla de artificio y seriedad, y Mark sirve como un vehículo sorprendentemente comprensivo para este tema. Fue una filmación incesante y el empujón de la mano de un director lo que lo llevó a este estado, y está claro que él piensa que solo completar este proyecto, su “documental”, lo liberará de sus impulsos. Peeping Tom incluso encuentra el momento para una historia de amor genuinamente convincente entre Mark y uno de sus inquilinos, dibujando una línea más entre el proyecto de Mark y la búsqueda general de conexión o verdad que impulsa a todos los artistas, todos los documentadores de la fragilidad humana.
Y, sin embargo, a pesar de la complejidad humana y las cualidades simpáticas de Mark, las escenas en las que está viendo imágenes para su documental todavía se sienten como cruces de infarto con el mismo diablo. Carl Boehm es capaz de realizar una especie de perverso truco de magia de transmutación personal; cuando una mujer está a solas con Mark, la seguridad en sí misma y la leve melodía de su voz de algún modo pasan de reconfortantes a preocupantes, mientras que su media sonrisa perpetua ya no implica una broma que ustedes dos están compartiendo. Entre la notable actuación de Boehm y la absoluta confianza de Powell en la iluminación y la puesta en escena, las escenas de muerte de Mark son a la vez tensas y visualmente fascinantes, con las tomas en perspectiva de la cámara de Mark y la innegable emoción de la experiencia que hace que el público sea cómplice de su proyecto. Una película que precipitó y predijo las preguntas fundamentales del horror moderno, al mismo tiempo que ofrecía una experiencia propia impecable y aterradora.
