Hola amigos, y bienvenidos a Wrong Every Time. ¿Cómo están todos hoy? Actualmente estoy tratando de obligarme a escribir otro artículo después de este, porque maldita sea, esa lista de Proyectos Actuales no se va a ver sola. Pero dejando de lado la dudosa productividad, en realidad me siento muy bien en este momento y estoy deseando salir a correr más tarde esta tarde. Se está convirtiendo en una especie de tradición anual para mí poner en marcha uno de esos planes de carrera de “sofá a 5k” a principios de la primavera, ponerme en forma para el final del verano y luego desperdiciar mis ganancias cuando hace demasiado frío. Realmente debería invertir en una membresía de gimnasio o algo así este invierno, pero a partir de ahora, estoy en el segmento de mejora máxima de mi arco de fitness, que se sincroniza perfectamente con el breve período de clima tolerable de Nueva Inglaterra. Además, acabo de recibir una nota extremadamente agradable de un lector veterano, que es, ya sabes, un día hecho allí mismo. Sé que puede ser intimidante enviar mensajes a los creadores que te gustan, pero no hay nada más gratificante que escuchar que tuviste un impacto positivo en la vida de alguien. Y no limite ese coraje a la gente de Internet: no estamos en esta pelota por mucho tiempo, y diría que lo mejor que podemos hacer con ese tiempo es hacerles saber a las personas que son amadas.
Muy bien, me estoy poniendo todo blando aquí y ustedes no necesitan nada de eso. Examiné mi bolsa de reseñas y emergí con una interesante mezcla de características, con temas que van desde la cúspide de la ingeniería genética hasta el drama sin ley del viejo oeste. ¡Repasemos algunas películas!
Nuestra primera característica de la semana fue gattaca, una reflexión distópica sobre un futuro en el que los padres pueden minimizar y maximizar los genes de sus hijos para garantizar superbebés perfectos. Este desarrollo, naturalmente, anuncia una nueva era de discriminación, en la que a cualquiera que haya nacido a la antigua se le niegan oportunidades debido a sus genes inferiores. En este mundo, Ethan Hawke interpreta a Vincent Freeman (un poco en la nariz, estoy de acuerdo), un hombre nato que sueña con viajar a las estrellas. Por supuesto, trabajos tan importantes están reservados solo para especímenes genéticos perfectos, por lo que Vincent termina trabajando junto con el genéticamente perfecto Jerome Morrow (Jude Law), quien esencialmente vende su identidad a Vincent a través de un elaborado subterfugio genético.
La trama real de Gattaca es en gran parte un simple thriller criminal, ya que la muerte de uno de los directores del programa espacial provoca medidas de seguridad más duras en el lugar de trabajo de Vincent. Sus métodos cada vez más tortuosos para evadir el reconocimiento genético son bastante divertidos de seguir, pero me impresionó mucho más la representación evocadora de la crueldad del destino en esta película. Con tu código genético completo expuesto perpetuamente, la idea de “superar tus límites” parece una broma cruel; tu potencial es conocido desde tu nacimiento, haciendo de ese mismo nacimiento el único momento significativo de tu vida. La película expresa esta frustración tanto narrativa como visualmente; desde el momento en que Vincent reflexiona sobre las carreras de natación de su infancia con su hermano genéticamente perfecto, queda claro que esta película está relatando metafóricamente el viaje del canal de parto.
Gattaca tiene éxito precisamente porque comprende y adopta el alcance previsto. Prácticamente no se presentan innovaciones científicas más allá de este nuevo paradigma genético, porque tales innovaciones desordenarían el enfoque de la película y disminuirían su claridad como experimento mental. En cambio, la película altera precisamente una variable de nuestras vidas de una manera que hace eco y extrapola las tendencias existentes, luego se asienta en las malas hierbas de las vidas de sus personajes para explorar cómo estos cambios los han roto.
Vincent vive una vida de perpetua insatisfacción, su identidad genética no ofrece ninguna indicación de la obstinada persistencia con la que persigue sus sueños. Jerome existe en una especie de muerte en vida, con un accidente paralizante que lo dejó incapaz de estar a la altura del destino para el que nació. Ambos logran la ascensión a través del olvido, persiguiendo sus sueños más allá del alcance del código de sus cuerpos. Simultáneamente cínico y esperanzado, Gattaca se atreve a creer que incluso si el destino nos falla, el fuego autodestructivo de la pasión podría salvarnos. Como Vincent finalmente admite, solo pudo vencer a su hermano al no ahorrar fuerzas para el viaje a casa.
Luego cambiamos a una producción mucho más ligera, revisando Hoja II. La primera película de Blade está rotundamente “bien”, pero la franquicia tuvo la suerte de contratar a Guillermo del Toro para su secuela y, por lo tanto, Blade II realmente patea traseros. Toro es uno de los pocos directores que pueden traducir convincentemente la grandilocuencia de los cómics al cine, y aquí cuenta con la ayuda de un excelente equipo de actores principales (¡Ron Perlman! ¡Norman Reedus! ¡Donnie Yen!). Wesley Snipes evoca un estilo de genialidad familiar pero bien ejecutado en esta película profundamente posterior a Matrix, pero aún más importante que su aura son sus habilidades sustanciales en las artes marciales. Blade II evita los combates generados por computadora siempre que sea posible y ofrece un auténtico buffet de artes marciales para complementar las fanfarronadas de viejos profesionales como Perlman y Kris Kristofferson. Un espectáculo de acción muy satisfactorio.
Nuestro siguiente largometraje fue una incorporación reciente a Shudder, la película de terror francesa Kandisha. Ambientada en un enorme pilar de un proyecto de vivienda, la película se centra en tres niñas unidas por su amor compartido por la pintura en aerosol. Cuando uno de los tres es agredido por un ex novio, recurre a la leyenda del espíritu vengativo Kandisha para castigarlo. Desafortunadamente, Kandisha no está tan interesada en la venganza como en matar a todos los hombres en la órbita general de nuestras heroínas, lo que obliga a las tres chicas a anular la convocatoria de su nuevo “amigo”.
Kandisha es una hermosa película de terror básicamente en cualquier medida. En términos de diseño visual, la película hace un excelente uso de sus proyectos de viviendas centrales para construir un vocabulario visual coherente y alienante, un mundo de enormes columnas de cemento y pequeñas ventanas que se reducen hacia el horizonte. Entre los diversos orígenes y situaciones hogareñas de las tres niñas, la película también ofrece un retrato incidental pero auténticamente esbozado de la creciente población inmigrante de Francia y las culturas juveniles que está produciendo este nuevo crisol. Kandisha se siente abundantemente de un tiempo y lugar de una manera que hace que esa experiencia sea universal, lo cual no es una hazaña fácil en una película que también presenta a un demonio asesino con pezuñas de cabra.
Porque sí, esto también es ciertamente una película de terror. Kandisha hace un gran trabajo con las sombras y la implicación, pero también está dispuesto a ser gráfico: en un momento, un tipo tiene la caja torácica y la mitad inferior completamente destrozadas, allí mismo en la pantalla. Así que supongo que es una especie de experiencia de “venir por la historia de terror, quedarse por el retrato auténtico de la cultura juvenil, recordar repentina y violentamente que esta es una historia de terror”. ¡Buena película!
Luego revisamos Desde más alláotra adaptación de Lovecraft del productor y director de Reanimador, nuevamente protagonizada por Jeffrey Combs. Mi experiencia con Re-Animator me dio una idea bastante buena de qué esperar de este: el horror gótico de Lovecraft transformado en un campamento de película empalagoso, con un tono que raya en Little Shop of Horrors (si agregas mucho más gore y desnudez).
From Beyond no es una película realmente buena, y su insistencia en ser inconteniblemente cachonda limita aún más su atractivo, pero los fanáticos del B-horror deberían considerarla una producción obligada. El director Stuart Gordon tiene mucha, mucha suerte de haber encontrado a Jeffrey Combs: Combs posee la intensidad maníaca en pantalla de alguien como Bruce Campbell, y mantiene la energía alta entre las extrañas escenas visuales de la película. Centrado en un par de científicos que esperan ver más allá del velo estimulando la glándula pineal, From Beyond mezcla la sexualidad y el horror corporal en una mezcla que ofrece tonos de Videodrome y Hellraiser, con un enfoque más central en prótesis jugosas y otros efectos prácticos. No es elegante y solo es tangencialmente lovecraftiano, pero si buscas llenar una noche de películas de terror B, es un viaje inventivo y apropiadamente lascivo.
Nuestra última película de la semana fue un interesante artefacto de los 80, el drama occidental plateado. Silverado no es un western revisionista al estilo de los famosos spaghetti westerns, ni es uno de los empalmes de género que tiendes a esperar de las versiones del género de finales del siglo XX; interpreta el modelo clásico completamente directo, abraza respetuosamente todos los tropos dramáticos de sus antepasados y confía en su excelente elenco para llevar el impulso.
Tenía algunos sentimientos complejos sobre Silverado, y saber que el director fue coguionista de propiedades como The Empire Strikes Back y Raiders of the Lost Arc definitivamente ayudó a aclararlos. A pesar de alcanzar todos los ritmos dramáticos que esperarías de un western clásico, Silverado se mueve con un tipo de impulso muy diferente, ofreciendo los resultados de acción consistentes de un éxito de taquilla moderno de Hollywood. Esto mantiene alta la energía, pero agota la característica de la atmósfera pensativa y melancólica que caracterizó a los clásicos de John Ford. Los westerns necesitan espacio para respirar y reflexionar, así como una sensación del gran vacío que rodea su drama: Silverado limpia y aprieta tanto que esta sensación de espacio y atmósfera se pierde, dejando solo una serie de ingeniosos enfrentamientos entre vaqueros.
Aún así, la película está lo suficientemente lograda, y también es agradable ver a actores como Kevin Kline o Danny Glover encajar en un modelo tan tradicional de producción cinematográfica. Sin duda, Scott Glenn se roba el protagonismo, ya que es el único miembro del reparto de la película que realmente se mueve y actúa con la fatiga y la presencia de una estrella del oeste tradicional. Doblándose sobre su cuerpo larguirucho y mirando malhumorado a través de la pradera, Glenn evoca completamente el aura de James Coburn y aporta un toque de autenticidad a una película que, por lo demás, se siente un poco más como un modelo que como un original. Ciertamente, no es una película que se debe ver, pero es un ejercicio suficientemente competente con una interesante combinación de figuras principales.
