Sun. Sep 25th, 2022

¡Hola a todos y bienvenidos de nuevo a Wrong Every Time! Lo admitiré desde el principio, las selecciones de películas de hoy son una especie de abominación frankensteiniana, los restos empedrados de varias semanas de visionado. Mi enfoque inconsistente para crear un búfer de revisión ha resultado en algunas anomalías temporales extrañas; por ejemplo, esta semana presenta la película de reactivación Texas Chainsaw que inspiró nuestra “investigación adicional” de hace unas semanas. Afortunadamente, esto también me otorga el lujo de una curaduría real, permitiéndome construir una especie de meta-reflexión sobre la evolución del horror en el cine. Además, aparte de Texas Chainsaw, el resto de las películas de esta semana son realmente bueno, así que estoy ansioso por compartirlos con ustedes. ¡Hagámoslo!

Nuestra primera función fue la reciente La masacre en Texas revival, una película que se sentía perpetuamente insegura de sí misma. Comenzamos por presentarnos a un grupo de personas influyentes de las redes sociales eminentemente odiosas, que han aprovechado su éxito para financiar una comunidad emergente de personas influyentes construida sobre los huesos de una antigua ciudad de Texas. Todo esto está muy bien; los influencers se han convertido esencialmente en la víctima du-jour de los slashers modernos, con su constante autopromoción y olvido reemplazando el hedonismo de la generación anterior como la justificación para asesinarlos.

Con la asistencia de algunos lugareños malhumorados, el escenario parece estar listo para un contraste muy tradicional de nuevos valores y viejas motosierras. En este punto, la película comienza a complicar su arco moral, revelando algunos matices de gris tanto en los dueños originales como en los intrusos de este pueblo. Este matiz es bienvenido (incluso si contradice directamente las caracterizaciones anteriores de la película), pero de corta duración: Leatherface pronto llega y básicamente mata con una motosierra todas las preguntas morales de la película. Luego, una vez que la película cambia de enfoque otra vez para ser más una narrativa de unión entre hermanas (completa con una historia de fondo de tiroteos escolares mal ubicados), presentan una narrativa completamente superflua de “el sobreviviente pasado regresa para matar a la bestia”, que básicamente no va a ninguna parte. Cada quince o veinte minutos, se siente como si una mano diferente tomara el guión y decidiera desviar la historia en una dirección completamente diferente.

Todo esto lo convierte en una película profundamente desenfocada tanto en términos narrativos como temáticos, pero, francamente, la incoherencia de la narrativa ni siquiera es mi mayor queja. Mucho más frustrante fue la insistencia de esta película en tratar la Texas Chainsaw Massacre original como un evento de proporciones míticas, una catástrofe más grande que la vida protagonizada por un monstruo más grande que la vida. El horror de la Texas Chainsaw Massacre original fue que nada al respecto era más grande que la vida; fue solo un acto incidental de violencia sin sentido, realizado en algunos niños que se averiaron en el tramo equivocado de la carretera. La idea de que la violencia monstruosa no es especial, que podría estar al acecho detrás de cada esquina o ventana, es precisamente la amenaza que hizo que la película original fuera tan aterradora. Perder eso es ver cómo se deshace un concepto genuinamente cautivador por la lealtad a la canonicidad, ese gran enemigo del arte original.

Seguimos con uno de nuestros pocos clásicos de terror no vistos, el fascinante No mires ahora. Estrenada en 1973, Don’t Look Now casi se siente demasiado bonita para ser una película de terror de esa época; Salvo valores atípicos como Hitchcock y Polanski, el género generalmente no se veía tan majestuoso como este, ni procedía con tal matiz de agudeza emocional. Basado en una excelente historia corta (también encontrada en El raro, una colección que recomiendo a todo el mundo), la película sigue a una pareja que viaja a Venecia tras el ahogamiento de su hija, con la esperanza de enterrar su agravio en la belleza. Desafortunadamente, la esposa (Julie Christie) termina encontrándose con un par de ancianas que le aseguran que “su hija está justo a su lado, sonriendo alegremente”. Christie se siente atraída por la promesa de estos espiritistas, pero su esposo (Donald Sutherland) los ve como estafadores, hasta que los sucesos sobrenaturales también comienzan a atormentarlo.

Hay dos lugares que definen la esencia de Don’t Look Now: los pasillos alternativamente fascinantes y alienantes de Venecia, y la cámara seguramente llena de humo de la propia sala de edición de Don’t Look Now. No estoy seguro de haber visto alguna vez una película tan impulsada por sus cortes transversales; Esencialmente, en cada momento de gran drama, Don’t Look Now se marca a sí mismo en dos secuencias de acción, intercalándose entre ellas con una gracia asombrosa. En lugar de la sensación de desorientación que cabría esperar de una técnica de este tipo, la forma en que se conservan el movimiento y la forma entre las transiciones es realmente electrizante. A través de esta técnica, la película expresa visualmente su idea central temática: la idea de que todas las cosas están interconectadas de alguna manera y que cada aspecto de nuestras vidas es una faceta reflexiva del todo.

Con pocos sustos directos, la película extrae la tensión a través de la implicación, utilizando los pasillos a menudo solitarios de Venecia con un efecto maravilloso. La sensación de una fuerza desconocida y aparentemente malévola que guía el drama es palpable; esta es realmente una historia en la “tradición extraña”, donde el mundo parece más extraño que nuestra capacidad para describirlo, y nuestras propias acciones no son más que movimientos de peones en un tablero más grande. Rematado con un final dinamita que recuerda al giallo, Don’t Look Now es una “película de terror elevada” antes de que se inventara ese apodo consciente de sí mismo, y una maravilla del arte de edición.

Nuestra próxima característica fue orgullosamente rara como el infierno, el desafiante borde afilado Titanio. Titanium trata sobre una niña llamada Alexia, a quien le colocaron una placa de metal en la cabeza después de un accidente automovilístico infantil. De adulta, baila en los autos y parece que también tiene sexo con ellos. De todos modos, tiene relaciones sexuales con un automóvil y queda embarazada de un bebé de automóvil, y después de matar a sus padres y a todas las personas con las que se estaba quedando, elige disfrazarse como el hijo perdido de un bombero local llamado Vincent. Mientras intenta ocultar su identidad y su bebé en coche que progresa rápidamente, se desarrolla un vínculo incómodo entre Alexia y su nuevo “padre”.

La primera mitad de Titanium es sin duda una secuencia de imágenes interesante, pero no hizo nada dramático para mí. La propia Alexia es menos una persona que una fuerza de la naturaleza; ella elige acciones aparentemente al azar, no tiene valores morales más allá de la autopreservación y vive en un mundo donde su comportamiento lunático de alguna manera resulta en una adopción adulta improvisada. Realmente no me gustan las películas que son solo una serie de imágenes únicas, por lo que mi interés en la película solo aumentó cuando Vincent entró en escena: un hombre triste y desesperado que se sintió tan cuidadosamente realizado como Alexia estaba oscurecida.

Hay muchas imágenes vívidas de terror corporal en Titanium, pero encontré su celebracion de cuerpos en el espacio para ser aún más convincente. La película está culta con secuencias de baile extendidas, donde Alexia o Vincent se entregan a la alegría de la música y el movimiento, y en estos momentos son trascendentes. En una película donde los cuerpos son imperfectos en el mejor de los casos y, más a menudo, activamente antagonistas de nuestra supervivencia, las secuencias de baile de Titane encuentran algo glorioso en sus movimientos libres, cuando se pierde todo pensamiento de presentación y la música da lugar a la voz de tu alma. Una película orgullosamente abrasiva e inconsistentemente gloriosa.

Nuestro largometraje final fue un reloj absolutamente incendiario, una película en la que seguramente estaré pensando durante algún tiempo: Objetivos, el debut como director de Peter Bogdanovich. Targets presenta dos narrativas contrastantes, ya que primero se nos presenta a “Byron Orlok”, quien es esencialmente Boris Karloff interpretándose a sí mismo. Desilusionado con su carrera e insinuado por esta nueva era de asesinos anónimos, Karloff tiene la intención de retirarse, pero el joven director Sammy Michaels (Bogdanovich, que básicamente también interpreta a sí mismo) lo convence para una última aparición. Mientras los dos se preparan para una aparición en un autocine local, también seguimos a Bobby Thompson (Tim O’Kelly), un joven aparentemente sin problemas importantes en su vida, que sin embargo está a punto de comenzar una aventura. matanza despiadada con su colección de rifles.

La creación de Targets es una historia casi tan interesante como la película misma. El productor Roger Corman aparentemente tuvo a Karloff enganchado durante exactamente dos días de rodaje y le ofreció esa oportunidad a uno de sus protegidos favoritos. Bogdanovich aprovechó esa pequeña oportunidad y la aprovechó, entretejiendo imágenes de las viejas películas de Karloff para crear una exploración autorreflexiva del horror en el cine, cómo las películas impactan nuestras vidas y de qué deberíamos tener miedo.

Ver a Bobby Thompson maniobrar lentamente hacia su ola de asesinatos es una de las experiencias más intensas que he vivido. La falta de conexión de Bobby con todo en su vida, su alegre distancia mientras pone en orden todos sus asuntos y armas, hacen que la experiencia sea mucho más desagradable que si fuera un villano más coherente. Bobby está simplemente vacío; Ha seguido las órdenes de su familia toda su vida, pero no puede hablar con nadie en su vida con honestidad y es posible que ni siquiera tenga algo que decir si pudiera. Él es el vacío en el centro de los suburbios de mediados de siglo, arcilla tosca formada en la forma de un hombre pasado de moda, pero con la mente de un niño desinteresado. El título de la película se refiere claramente a su evaluación mental completa de sus congéneres humanos: cuando finalmente lo atrapan, su primer comentario a la policía es “pero seguro que apenas fallé, ¿no?”

Una película completa siguiendo a Bobby probablemente sería demasiado sofocante para sobrevivir; afortunadamente, la mecha encendida de su narrativa se equilibra con el humor y la humanidad del material de Karloff. Karloff es adorablemente mezquino y justamente cansado, habiendo llegado a la conclusión no equivocada de que el mundo moderno no necesita a los demonios y duendes del Hollywood clásico. “Campamento alto, me llaman”, comenta amargamente, expresando una frustración por la que Bogdanovich sin duda sentía cierta simpatía. Hollywood clásico podría haber sido ornamentado e irreal, pero ¿era eso un crimen? ¿Y qué lo está reemplazando: la sociopatía sin rostro de un francotirador en una torre, sin motivación, sin personalidad en absoluto? Al menos en el Frankenstein de Karloff, había patetismo y humanidad; de hecho, tal vez fue la humanidad torpe y tambaleante de esos viejos monstruos lo que los hizo tan grandes. En la humanidad de un monstruo, encontramos un sentido de solidaridad; en la inhumanidad de la humanidad, solo vemos alienación y destrucción.

Bogdanovich entreteje con gracia estas reflexiones sobre el terror en una crítica más amplia del cine y la audiencia, con su avatar de autor en un momento quejándose de que “todas las buenas películas ya se han hecho”. Filmado dieciocho años después de Sunset Boulevard, los últimos rescoldos del Hollywood clásico se han asentado en este punto, sin dejar ni siquiera el potencial para un retroceso catártico del noir. En cambio, el clímax de Targets es todo el pandemónium del Nuevo Hollywood, ya que un autocine que promete sustos a la antigua se convierte en un pararrayos para los últimos temores de la nueva era. El acto final triunfal de Karloff bien podría provenir de uno de sus propios clásicos, improbable y dramáticamente conveniente como es, y sirve como culminación del amor sincero en una película forjada con ansiedad cínica. Por mucho que lo intente, la monstruosidad de Bobby no puede robar la esencia del horror de los soñadores, los bichos raros, los asistentes de producción de ojos brillantes. Gritamos a la pantalla para sentirnos menos solos, y aunque las modas pueden cambiar con el tiempo, cada nuevo Karloff seguramente encontrará a su apreciado Bogdanovich.

By admin