Hola amigos, y bienvenidos de nuevo a Wrong Every Time. Parece que la primavera finalmente ha llegado a mi vecindario, así que espero que todos estén disfrutando del maravilloso clima templado tanto como yo. También me he sentido bastante optimista sobre el progreso de mi artículo; Terminé un ensayo en el que había estado hurgando durante semanas, eliminé un par de ambiciosos proyectos de notas y tengo una columna considerable de Por qué funciona el próximo lunes. Mi tablero de recompensas se ve más manejable de lo que ha sido en mucho tiempo y, mientras tanto, sigo escabulléndome en tantas películas como puedo para mejorar mis estadísticas de cine. Empecé todo este negocio de reseñas con puntos completos en literatura y no mucho más, así que he estado haciendo todo lo posible para acelerar el final del estudio de cine y sentirme un poco más en sintonía con la amplitud y la historia del cine con cada nuevo artículo. . Ver emerger conexiones e influencias en tiempo real es un proceso inmensamente satisfactorio, y estoy haciendo todo lo posible para incorporar todo ese estudio a mi trabajo crítico. ¡Pero por ahora, solo analicemos algunas películas interesantes, mientras repasamos una semana más en revisión!
Lo primero de esta semana fue una característica de Francis Ford Coppola, mientras exploramos su interpretación de Drácula de Bram Stoker. He reflexionado en el pasado sobre cómo el cine de Hollywood a menudo parece limitado por su lealtad al realismo, en comparación con los estilos más elaborados y expresivos empleados por el cine indio, italiano o japonés. Como tal, me encantó ver a Coppola abandonar cualquier deferencia a la realidad al ilustrar su historia de Drácula, adoptando un estilo de vestuario, escenografía e incluso actuaciones que evocaban la era dorada de las características de las criaturas de Universal. En lugar de intentar ocultar la irrealidad de sus escenarios, Drácula adopta el encanto estético único de un escenario de sonido obvio, la plataforma perfecta para que sus personajes más grandes que la vida se jacten, seduzcan y se lamenten.
Gary Oldman y Anthony Hopkins abrazan el espíritu del material con deleite, cada uno de ellos masticando magníficamente el escenario en sus papeles de duelo como Drácula y Van Helsing. Los dos comparten una cualidad única en el sentido de que ambos son verdaderos maestros de la actuación y también pueden ser muy amplios, modulando sus actuaciones en matices e intensidad según lo que requiera la escena. Entre su armonización natural con el material alternativamente sincero y llamativo, el hecho de que Keanu Reeves sea superado profesionalmente en realidad se siente como un reflejo de la posición de su personaje, con sus líneas de madera que leen haciendo poco daño a una película que ya está tan lejos del cinema verité como posible. El Drácula de Coppola es ornamentado e indulgente hasta un extremo glorioso, el tributo de un maestro a los sombríos castillos de Karloff y Price.
Seguimos con otra película épica, John Sturges’ El gran Escape. Una película como The Great Escape realmente desmiente cualquier afirmación de que el cine clásico es demasiado lento para el público moderno, o carece de los ganchos para mantener interesados a los espectadores confundidos con la televisión. Quiero decir, escuchen este argumento: después de sufrir incontables retrasos debido a la caza de prisioneros que escapan, los alemanes eligen “poner todos sus huevos podridos en una canasta” y arrojar a todos sus múltiples fugitivos en un supercampo fuertemente custodiado. Dirigidos por su cerebro “Big X”, estos talentosos artistas del escape lo arriesgarán todo para escapar de esta súper prisión y comenzar un peligroso viaje de regreso a casa.
¿No suena divertido como el infierno? y la pelicula es divertido como el infierno, con múltiples intentos de escape en la primera media hora, mucho drama táctico crujiente en el que invertir y abundantes momentos destacados llenos de acción. También está completamente repleto de grandes actuaciones; Steve McQueen interpreta al perfecto estadounidense de boca inteligente, Charles Bronson es un administrador de túneles extrañamente adorable, y vaqueros veteranos como James Coburn agregan el toque justo de bravuconería ardiente a todo el pánico y la desesperación. The Great Escape es ingenioso, propulsor y deslumbrante en escala, y se convierte en una escena de persecución en todo el continente en el momento en que crees que podría estar terminando. Posee todos los sabrosos beneficios que esperas de una obra de puro entretenimiento, pero atempera esos ricos sabores con una poderosa actuación de los personajes, un ambicioso diseño de escenarios, conmovedoras digresiones y un reconocimiento de la crueldad de la vida que hace que sus duras victorias tengan un sabor aún más rico.
Después de eso, revisé una función británica antigua, Narciso negro, en el que a un grupo de jóvenes monjas se les encomienda una difícil misión. Viajando hacia el norte de la India, deben establecer una escuela y una clínica entre los picos de los Himalayas, tomando el antiguo palacio de placer de un general como su nuevo convento. Debajo de paredes pintadas con delicias lascivas, estas monjas verán puestas a prueba sus votos e identidades, mientras intentan integrarse en un mundo más allá de su comprensión.
A menudo caracterizado como el “primer thriller erótico”, Black Narcissus ofrece una humeante procesión de tentaciones para sus desventuradas monjas. Dado que esta película se estrenó en 1947, es de esperar que adopte alguna forma del estereotipo de “nativos lujuriosos”, pero sus asociados nativos son en realidad personas bastante razonables. En cambio, Black Narcissus cuestiona principalmente la extraña alquimia de la supresión que debe someterse para transformar a un ser humano en un hijo de Dios, y la facilidad con la que esos tratamientos se deshacen al exponerse al mundo natural.
Hay una sensualidad que emana de cada toma de Black Narcissus, una carga sexual inherente que se transmite en sus decorados decorados, el majestuoso palacio y, en particular, el cielo infinito del Himalaya. Ya sea que haya visto la película o no, es probable que haya visto su tomas icónicas de monjas tocando una campana en el borde del mundo, sin barrera entre ellas y entregadas al olvido. Los escenarios desgastados por el clima de la película y los magníficos fondos mate evocan simultáneamente una sensación de realidad terrenal y material y un anhelo de ojos estrellados, todos los sueños y sentimientos entregados a través de la reverencia a la iglesia. En última instancia, el mundo al que son enviados a dominar es demasiado real para ser domesticado, mucho más real que sus letanías desesperadas y sus febriles huidas de la tentación. Al huir de los terrenos del palacio, se ven obligados a clasificarlo como “incognoscible”, por temor a presenciar las partes incognoscibles de sus propios corazones.
El siguiente paso fue una obra explosiva de terror popular, la reciente película indonesia impétigo. La película se centra en Maya y Dini, dos mujeres jóvenes que esperan salir de sus trabajos de baja categoría y comenzar un negocio juntas. Cuando Maya se entera de que puede ser la heredera de una mansión en un pueblo remoto, los dos se dirigen a asegurar su herencia, solo para encontrar un pueblo atormentado por la muerte y los secretos. Resulta que la familia que una vez fue propietaria de esa mansión realizó algunas acciones verdaderamente terribles en esta ciudad, e incluso ahora, su maldición persiste, obligando a los aldeanos a cazar a los descendientes de esa familia.
Impétigore es simplemente horror popular de primer nivel por cualquier métrica, bendecido con fuertes intérpretes principales, muchas ideas ingeniosamente horribles y una cinematografía absolutamente fenomenal. Una buena mitad de las tomas de esta película son maravillas de trabajo de composición en capas, logrando tanto obras majestuosas de simetría como implicaciones de terribles secretos. El enfoque de Impétigore en una forma local de teatro de marionetas fundamenta la película en un contexto cultural específico y también facilita muchos de los momentos visuales más impresionantes de la película, con la silueta y la participación a menudo en lugar de la pura sangre. Dicho esto, la película tampoco escatima en horrores convencionales y toma la idea de una muñeca con piel humana en algunas direcciones deliciosamente incómodas.
El terror popular es mi subgénero favorito de mi género cinematográfico favorito, y en este punto pensé que me quedaría sin sus atracciones invisibles de alta calidad. Impétigore me da una gran esperanza de que ese no sea el caso; es básicamente una experiencia perfecta de terror popular, y muy recomendable para los fanáticos de películas como The Witch o The Wailing.
Nuestra última característica de la semana fue el original de 1973. mundo occidental, protagonizada por Richard Benjamin y James Brolin como dos invitados recién llegados al parque, y Yul Brynner como un pistolero robótico extrañamente persistente. Dada la popularidad de la serie de televisión reciente, asumo que todos están familiarizados con la premisa de la película: un parque de diversiones donde pueden vivir fantasías de aventuras del salvaje oeste, rodeados por una población de robots complacientes. En lugar del enfoque de la serie reciente en cuestiones de inteligencia artificial e identidad, el Westworld original procede como una montaña rusa que complace a la multitud, abarcando por completo tanto las ventajas del parque en pleno apogeo como el caos cuando todo sale mal.
Estaba interesado en ver esta película por una razón primordial: Yul Brynner como Terminator, esencialmente interpretando una versión robótica malvada de su personaje de The Magnificent Seven. Brynner tiene una de las presencias más dominantes de cualquier actor del siglo XX, sirve como una adición eléctrica a cualquier película que lo tenga y, como era de esperar, se roba el espectáculo durante la segunda mitad de esta película. Restringido a un lánguido pavoneo automático de vaquero, su enfoque confiado es anterior a la alienante implacabilidad de Mike Myers y sus hermanos, superando a un ghoul de película de terror con una de las caras más distintivas de Hollywood. Westworld es obsceno y generoso en general, pero la presencia de Brynner es algo completamente diferente, como un fantasma del viejo oeste que viene a castigar a estos pecadores hedonistas. Realmente es uno de los grandes.
