Hola amigos, y bienvenidos de nuevo a mi pequeña porción de Internet. El verano llegó con fuerza esta semana, presagiando tardes de noventa grados y mucha humedad general. Sin embargo, no me quejo; Tomaré el calor opresivo sobre el frío opresivo cualquier día, y estaré disfrutando de mi nueva ciudad transitable hasta que llegue el próximo invierno de ocho meses. Boston es bastante agradable en verano; tenemos una amplia gama de parques públicos, Cambridge es esencialmente una ciudad universitaria urbana, y estamos absolutamente pésimos con la arquitectura y los monumentos coloniales. De hecho, me estoy convenciendo a mí mismo de dar un paseo mientras escribo, así que terminemos este preámbulo sin objetivo y vayamos al meollo del artículo. Ha pasado una nueva semana, se han proyectado excelentes películas y estoy ansioso por compartir mis hallazgos con ustedes. ¡Hagámoslo!
Esta semana me vio disfrutar de mi primera película en el cine desde que comenzó la pandemia, rompiendo mi ayuno para ver a David Eggers. el norteño. Sus películas anteriores, The Witch y The Lighthouse, fueron dos de mis películas recientes favoritas, así que estaba más que emocionado de ver qué haría con un presupuesto mucho mayor. El resultado es Eggers como el infierno: sombrío, ambiguo e inquebrantable en su representación de un mundo tanto extraño como real, la existencia y el espíritu de una humanidad del pasado.
Con tres películas en su haber, parece que el principal interés de Eggers es en realidad la antropología cultural. Cada una de sus películas establece esencialmente un pequeño diorama histórico, colocando a un grupo de personajes en una situación difícil y luego observando cómo sus propios supuestos culturales los destruyen inevitablemente. Los fervientes peregrinos de La Bruja fueron deshechos por su supuesta rectitud, mientras que los guardianes de El Faro nunca pudieron saciar su soledad a través de la intimidad masculina. Eggers nunca emite juicios ni anuncia veredictos; se compromete seriamente con los mundos y sentimientos de estos personajes, dejando que el curso de sus viajes dicte nuestra impresión de sus vidas. Y así sucede con The Northman, que presenta a un hombre destinado al Valhalla en toda su terrible gloria.
The Northman se basa en la misma leyenda que inspiró el Hamlet de Shakespeare, y los vagos ritmos de la trama son muy parecidos: un rey es asesinado por su hermano, quien luego toma a su esposa, dejando que el hijo del rey arregle las cosas. En este caso, el tiempo entre el asesinato y el regreso se prolonga varios años, lo que permite que el joven príncipe Amleth se convierta en un distinguido asaltante por derecho propio. Nuestra reintroducción a Amleth establece el tono de nuestra relación con él, mientras lo seguimos a través de una redada en la aldea que estalla con una violencia épica y termina con la cruda imagen de los niños de la aldea siendo conducidos a una choza en llamas.
A partir de ese momento, queda claro que Amleth se guía por principios que escapan a nuestra comprensión. Quizás más que cualquiera de sus películas anteriores (cada una de las cuales poseía un protagonista reconociblemente comprensivo), The Northman se compromete profundamente con el mundo tal como lo ve Amleth, presentando una visión de profecía continua y destrucción predestinada. Es difícil decir que Amleth se “desvía” o “falla” en algún momento, dado que está continuamente dirigido por inconfundibles portees, y fundamentalmente impulsado por una filosofía que no deja lugar a la vacilación. Y, sin embargo, como en todas las películas de Eggers, la naturaleza de Amleth lo lleva a la incomprensión y la tragedia, en formas que él mismo nunca podría reconocer.
Es algo extraño, una epopeya completamente divorciada de nuestras expectativas modernas de rectitud y drama. Mientras Amleth se regocija en su gloriosa venganza, somos nosotros los que quedamos con el sabor de la ceniza en la boca, ya que hace mucho que perdimos la fe en el viaje de Amleth. ¡Y sin embargo, su aventura es tan grandiosa y peligrosa, sus visiones tan seductoras, su convicción tan firme! Confía en Eggers para hacer que su primer “final feliz” se sienta tan extraño y vacío, tan distante de nuestra experiencia que se siente como una leyenda de otra especie. Y por favor Eggers, danos otro.
Desesperada por obtener más One Piece, mi casa también revisó todas las películas de resumen del arco de la franquicia, desde East Blue hasta Water 7. Este proceso fue en su mayor parte una pérdida de tiempo, ya que la mayoría de estas películas no elevar o alterar significativamente el material original. Afortunadamente, hubo una brillante excepción: Episodio de Chopper Plus: Bloom in Winter, Miracle Sakura.
Si bien todas las demás películas resumidas se adhieren en gran medida a la estética del programa propiamente dicho, Miracle Sakura adopta sombreados simplificados y líneas que recuerdan más a Baron Omatsuri, o los episodios de Tequila Wolf (el diseñador de personajes/director de animación de esta película, Naoki Tate, también fue el director de animación de Tequila Wolf). gerente). Si has visto esa película o esos episodios, sabes que es una muy buena señal y que los resultados son realmente espectaculares.
Sin ninguna necesidad de ajustarse a modelos de personajes rígidos, los animadores de Miracle Sakura son libres de expresar los sentimientos del elenco a través de cortes de movimiento vívidamente idiosincrásicos, con formas de personajes que frecuentemente se disuelven en puros toques de energía evocadora. La actuación de personajes sin límites de lealtad al diseño de personajes con frecuencia puede sentirse más más real que el realismo, con la experiencia sentida de un momento sangrando en su representación visual abierta. La visión de Tate de One Piece es una de mis interpretaciones favoritas de esta gran quimera de franquicia, y Miracle Sakura es un testimonio de dos horas de su estética única. Si te gusta One Piece y la animación, mira Miracle Sakura.
Luego revisamos una característica reciente de Guy Ritchie, los caballeros. Si bien el éxito de Hollywood ha hecho que Ritchie se aleje un poco de su timonera, está claro que el corazón del tipo descansa con historias sucias y vertiginosas del crimen de Londres. The Gentlemen cae directamente dentro de la zona de ataque preferida de Ritchie, y si has visto películas como Snatch, Lock Stock y Two Smoking Barrels, o Layer Cake, ya sabes exactamente cómo te sentirás con esta. Sus películas se basan principalmente en el flash y el impulso, cargando de un escenario a otro demasiado rápido para que te quejes de cómo encaja todo. The Gentlemen no es diferente, y es más distintivo por el hecho de que Hugh Grant interpreta a un investigador privado deliciosamente anti-tipo. Eso es divertido de ver, pero no logra que esto se acerque a un reloj esencial, más solo una función de fondo enérgica, si disfrutas del estilo de Ritchie.
El siguiente paso fue una intrigante producción animada, Jorge Gutierrez’ el libro de la vida. La película sigue a dos jóvenes, Manolo y Joaquín, que compiten por el amor de su amiga común María. Sin que ellos lo sepan, su concurso tiene un significado mucho mayor: La Muerte, gobernante de la Tierra de los Recordados, y Xibalba, gobernante de la Tierra de los Olvidados, han hecho una apuesta sobre quién ganará, con Xibalba reclamando las tierras de La Muerte si Él tiene éxito. Cuando las artimañas de Xibalbá acaban con la muerte de Manolo, nuestro joven héroe tendrá que viajar por las tierras de los muertos para arreglar las cosas.
Francamente, incluso esa descripción comprime enormemente todo lo que está pasando en esta historia. Manolo y Joaquín en realidad tienen una amistad encantadora, hay un gran hilo de drama sobre la relación de Manolo con el legado de las corridas de toros de su familia, y todo esto está contenido dentro de un dispositivo de encuadre más grande de los niños de hoy en día que visitan un museo de historia. A pesar de todo esto, la película maneja con gracia sus diversas narrativas internas, dejando al público libre para apreciar su singular diseño artístico.
Incluso antes de que la película llegue a los reinos de los muertos, sus diseños de personajes modelados en madera se sienten maravillosamente expresivos y genuinamente originales, combinando la libertad de formas nativa de la animación con un sentido táctil único de los títeres modelados a mano. Y una vez que Manolo llega al inframundo, la película florece en una gloriosa celebración de luz y color, aprovechando al máximo uno de los festivales mundiales más fascinantes visualmente. Sentí que las elecciones de canciones de la película eran ocasionalmente cuestionables, y la comedia tiene algunas fallas, pero en general, The Book of Life es una aventura visualmente impresionante y, a menudo, conmovedora, perfecta tanto para familias como para entusiastas de la animación.
Nuestra última película de la semana fue un pequeño drama de ciencia ficción conciso, el largometraje de 2018 Plomo. Jay Duplass y Sophie Thatcher interpretan a un par de buscadores interestelares de padre e hija, que actualmente investigan una pista sobre un planeta en una línea de transporte que pronto será descontinuada. Está claro que Duplass sufre un poco de esa vieja manía de la fiebre del oro, y cuando descubren a un par de buscadores rivales, él también intenta tomar sus ganancias. Se produce un breve tiroteo, que termina con Thatcher ahora sola con el bandido restante (Pedro Pascal). Aunque no tienen motivos para confiar el uno en el otro, los dos tendrán que trabajar juntos para sobrevivir en un planeta hostil y despegar a tiempo para el último tren de regreso a casa.
Me impresionó mucho la comprensión de Prospect de su propia escala y la adopción de todas las rarezas texturales endémicas de la ciencia ficción fundamentada. La película no introduce variables que no sean esenciales, y las florituras de la invención fantástica hace incluyen son todos fascinantes y creíbles en igual medida. Su estética posee esa sensación de Ridley Scott-esque de un futuro que ya se siente viejo y ruinoso; los barcos y las armas están más allá de nuestra imaginación, pero también son claramente de segunda mano y más allá del punto de cobertura de la garantía. Gran parte del drama de esta película involucra la navegación de varios filtros de aire, así como el proceso profundamente técnico de cosechar su oro alienígena.
Aunque su entorno lo pinta como ciencia ficción, los huesos de Prospect son los de un western, y ejecuta esos fundamentos narrativos con total confianza. Como ocurre con la mayoría de los grandes westerns, la magnífica desolación del entorno de la historia se siente como un personaje en sí mismo, y además de eso, la película también tiene éxito como historia de personajes, construyendo una relación convincente entre sus dos estrellas poco probables. Pascal es un hijo de puta que se roba la escena, con su locuaz afectación sureña que hace que sea imposible no caerle bien, pero Thatcher también realiza una actuación convincente. Con todo, Prospect simplemente tiene éxito, abrazando su escala íntima para contar una historia consumada de codicia y perseverancia.
