La película es inherentemente una lente utilizada para ver el mundo. La forma en que vemos los eventos que suceden a nuestro alrededor, en última instancia, doblados, distorsionados e informados de su significado, es lo que hace que el lenguaje cinematográfico no sea solo uno de sonido e imágenes en movimiento, sino uno que nos obliga a cuestionar nuestra interpretación de los pensamientos, sentimientos y recuerdos. tomamos en Tres de estos trabajos se estrenaron en la Sección Documental Mundial este año, todos jugando con nuestras expectativas para otorgar una imagen más clara del significado que derivamos de nuestra presentación de la historia.
Comienza más claramente con la incisiva investigación de los directores Axel Danielson y Maximilien Van Aertryck “máquina fantástica.” En él, los cineastas relatan cómo los humanos han alterado y, a menudo, pervertido la imagen en movimiento para reescribir la realidad, desde la fotografía más antigua (tomada por Joseph Nicéphore Niépce en 1827) hasta la fascinación contemporánea de monetizar las imágenes podadas de nuestras vidas para crear caché cultural.
A veces, sus observaciones pueden desviarse hacia la burla, como cuando se burlan de cómo Eurovisión, en virtud de una pantalla verde, finge que sus presentadores están en diferentes países cuando en realidad están todos en el mismo estudio. En otros puntos, los directores son mordaces, como cuando presentan una entrevista de archivo con Ted Turner defendiendo su filosofía detrás del tipo de escapismo que hace que “The Beverly Hillbillies” y la cobertura de noticias por cable explotadoras sean formas aliadas de entretenimiento.
Esos momentos, en una película que se quiere a sí misma como montaje, pueden poner la verdad al poder y la comedia al video. Pero este examen mordaz e impactante de nuestra cultura popular, donde el contenido es el rey, es más fuerte cuando asusta al espectador. Piense en cómo los directores usan imágenes reales de terroristas de ISIS grabando un video de propaganda. Los terroristas traen accesorios y un guión. E incluso, inicialmente, se juega para reír cuando el miembro de ISIS no puede recordar sus líneas. Pero “Máquina Fantástica” va un paso más allá: en otra secuencia, los directores yuxtaponen imágenes de la directora alemana Leni Riefenstahl que muestra cómo creó la propaganda nazi (básicamente está atolondrada mostrando su experiencia técnica en el genocidio edificante) editada ferozmente en contra de cómo Sidney Bernstein veía su deber. en tratar de capturar imágenes precisas del Holocausto.
“Fantastic Machine” reflexiona sobre la manipulación de la verdad en nuestro panorama noticioso actual: cualquier persona con un micrófono, una cámara y un canal de YouTube puede llamarse reportero. Y cualquiera con una boca lo suficientemente grande puede gritar “Noticias falsas”. Pero lo que es aún más fascinante es el final, que considera el Disco de Oro de la Voyager, enviado al espacio en 1977, como un registro de bienvenida para los extraterrestres de la existencia humana. Sabemos sobre el audio incluido. Pero, ¿sabías que incluimos imágenes que mostraban lo mejor de la humanidad sin guerra, pobreza ni conflictos? En esta sorprendente conclusión, nuestra obsesión por dominar la verdad detrás de la imagen no es una enfermedad nueva. Es simplemente la condición humana.
“Tengo que tener mucho cuidado al recordar mis recuerdos”, dice Milisuthando Bongela, el director introspectivo detrás del documental mordaz y muy personal, “Milisuthando.” En los conmovedores recuerdos de Bongela reside la complejidad y la confusión, capas de trauma conectadas con dudas y verdades aceptadas sobre su infancia, país y hogar. Sus pensamientos comienzan con un video granulado que data de 2014 de una mujer negra en Johannesburgo, Sudáfrica, desnudándose frente a la estatua de Nelson Mandela, y termina con el entierro de su familia. Entre esos dos lamentos reside un interrogante penetrante de la historia, la ascendencia, el nacionalismo y las reliquias del apartheid.
Bongela proviene del extinto país de Transkie, un estado experimental dentro de Sudáfrica que duró entre 1976 y 1994, que jugó con la idea de crear una patria separada pero igualitaria para los africanos que les otorgara sus propios espacios, escuelas e identidades— y lo más importante, alejarlos de los blancos. Durante una visita a su abuela, en la diminuta casa rosada que Bongela considera el verdadero lugar de su crianza, lidia con el histórico residuo tóxico dejado por la concepción detrás de su antiguo país: ¿Cómo podría su adolescencia estar llena de racismo cuando la existencia de Transkie —lleno de un torbellino borroso de sonrisas, servicios religiosos saludables, modas vibrantes y tradiciones fervientes— ¿nunca se sintió abiertamente racista? ¿Qué significa para ella existir en relación con el poder blanco? ¿Y cómo puede permitir que sus ancestros existan a través de ella? Estas son solo algunas de las grandes preguntas, divididas en capítulos narrados por Bongela, que el director desentraña con curiosidad.
“Milisuthando” tiene un torrente de imágenes indelebles: un montaje de un supuesto progreso (flores que florecen, niños que juegan y familias que se comunican) se cuenta con un impulso temático similar del peligro inminente que se siente en “The New World” de Terrence Malick al establecer el escena de Richard Wagner “Das Rheingold”. Y hay palabras inolvidables, como una conversación franca entre Bongela y su productora blanca y amiga, Marion Isaacs, que golpean las cicatrices del apartheid que a menudo no se mencionan. Filmada con elocuencia y editada con precisión por Hankyeol Lee, “Milisuthando” de Bongela es temáticamente impactante y emocionalmente inquebrantable como “Beba” de Rebeca Huntt. Al igual que esa película, “Milisuthando” entrelaza las desigualdades del pasado personal de Bongela con las deficiencias sistémicas en las que se forjaron y esgrime un mazo contra la historia.
La directora chilena Maite Alberdi ha hecho carrera haciendo la crónica de los ancianos en películas como “El agente topo” y “La hora del té” (La Once). Al igual que su cortometraje “Yo no soy de aquí”, su última película, “la memoria eterna,” profundiza en la vida de alguien que lucha contra la enfermedad de Alzheimer. En este caso se trata del reportero chileno Augusto Góngora, quien ha pasado gran parte de su vida siguiendo la violenta dictadura de Augusto Pinochet, registrando la memoria emocional y política de Chile. Pero ahora su memoria falla, y su esposa Paulina, actriz y expresidenta del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes, es su cuidadora.
Alberdi no proporciona muchos antecedentes sobre el arco temprano de la enfermedad de Augusto: no sabemos cuánto tiempo ha pasado entre su diagnóstico y lo que estamos viendo en la pantalla; y aprendemos aún menos sobre cuánto tiempo está pasando actualmente. En cambio, las imágenes del día a día de Paulina cuidando a Augusto marcan el tiempo: vemos a la pareja paseando, ella leyéndole libros y él viendo sus representaciones teatrales. Absorbemos el amor que los alimenta y sentimos el miedo, el dolor y la angustia que envuelve a Augusto mientras declina. No es un reloj fácil. Al igual que en otros documentales sobre la enfermedad de Alzheimer, como “Dick Johnson is Dead” y “Our Time Machine”, en nuestra forma pequeña pero ineludible, sentimos el luto que está experimentando su ser querido sin discapacidad.
Pero fuera de la angustia incorporada en esta historia, Alberdi agrega muy pocas otras capas. Ella trata de relacionar la pérdida de memoria de Augusto con el recuerdo resbaladizo del reinado de Pinochet que los chilenos debían enfrentar si querían rehacer su identidad nacional. Desafortunadamente, las imágenes de su reportaje no están lo suficientemente entretejidas para aterrizar este arco metafórico. Si bien los obstáculos representados en “La memoria eterna” son ciertamente un testimonio del amor de esta pareja, en relación con los objetivos de la película, su terrible experiencia es solo la mitad de la imagen.