Sun. Sep 25th, 2022

Hola amigos, y bienvenidos de nuevo a Wrong Every Time. ¿Están todos bien esta semana? En cuanto a mí, actualmente se ha cortado el agua en mi apartamento debido a la construcción, un hecho que se entremezcla con la ola de calor en curso con un efecto sorprendentemente negativo. Pero aparte de eso, todavía me siento muy entusiasmado por llevar a cabo mi propia campaña de D&D, y he creado un nodo de búsqueda introductorio completo para mis amados jugadores. Mi mayor problema actual es descubrir cómo crear una cuna de manera efectiva a partir de los diversos módulos establecidos: no quiero simplemente abrazar las aventuras estándar de WotC, pero la escala de invención requerida para un gran arco de D&D parece intimidante, por decir lo menos. Y, por supuesto, la casa todavía ha sido sede de todo tipo de proyecciones de películas, mientras continuamos extrayendo alimento vital de la vid fértil de la historia cinematográfica. Puedo sentirme extrañamente florido con estas descripciones, así que no perdamos más tiempo, ¡y veamos qué ofrece una nueva semana de películas!

La primera proyección de esta semana fue Viy, una película de terror soviética de 1967 centrada en un estudiante de seminario llamado Khomas. De camino a casa de vacaciones, Khomas se refugia en el granero de una anciana, que pronto se revela como una bruja. Después de hechizar a Khomas y montarlo como un caballo durante la noche, Khomas se recupera y la golpea salvajemente, solo para descubrir que la anciana se ha transformado en una hermosa joven. Khomas huye rápidamente de la escena y regresa a su seminario, donde se entera de que se le ha pedido que realice una vigilia de tres noches por la hija muerta de un señor local, y también que esta hija es en realidad la bruja que mató.

La narrativa incoherente de Viy se mantiene firmemente unida por la convincente actuación de Leonid Kuravlyov como Khomas. Al principio, su interpretación de un estudiante delincuente se siente lo suficientemente universal como para disipar cualquier distancia entre la audiencia y el material; más tarde, su lenta disolución ante las repetidas amenazas sobrenaturales se siente casi tan agotadora para nosotros como para él. La cinematografía de la película también comparte gran parte del crédito por su éxito. La secuencia de Khomas cabalgando por el campo aún mantiene una inquietante sensación de irrealidad, y la representación tanto de la embriaguez de Khomas como de su deterioro mental abarca una vívida variedad de trucos visuales, que van desde desorientadoras transiciones de pantalla hasta ángulos que desafían nuestra comprensión de la gravedad. .

Viy sirvió como una vívida introducción al cine ruso de la era soviética, pero más allá de su novedad de producción, la película también es una excelente entrada en el canon del terror popular. Grandes actuaciones, narración eficiente, cinematografía dinámica, efectos prácticos memorables y ese gancho apasionante de “sobrevivir tres noches en la cripta”: las fortalezas de Viy son abundantes y se la recomendaría a cualquier persona aficionada al terror popular.

El siguiente fue Romance verdadero, una película de Tony Scott del 93 desarrollada a partir de un guión de Quentin Tarantino. Con un torbellino de romance adornado con tiroteos sangrientos, la película es quizás el guión de Tarantino más indulgente de Tarantino, centrado en un parecido a Tarantino que no puede contener su entusiasmo por las películas de Sonny Chiba, y salpicado con la mayor cantidad de insultos que creo haber escuchado en un película.

La trama de True Romance es principalmente una especie de trato de Bonnie y Clyde centrado en los jóvenes amantes Clarence y Alabama (Christian Slater y Patricia Arquette). El diálogo es tan ágil e idiosincrásico como cabría esperar de un porro de Tarantino, y la dirección de Scott se entrega a los colores borrosos y los cielos blanquecinos de California, lo que reduce la amenaza silenciosa que la dirección acompañante de Tarantino probablemente habría fomentado. Y más allá de sus voces autorales clave, True Romance se define aún más por su elenco de personajes secundarios ridículamente logrado, con la película también protagonizada por Gary Oldman, Christopher Walken, Dennis Hopper, Val Kilmer, James Gandolfini y otras estrellas de primer nivel en papeles minúsculos.

Walken aparece precisamente en una escena y la mata, Samuel L. Jackson interpreta al “hombre que admite que come coño” y Brad Pitt pasa la segunda mitad de la película drogado en un sofá en el fondo. Es una lista ridículamente generosa, y todos parecen divertirse mucho apoyándose en las excentricidades de los diversos bichos raros de Tarantino. Más que cualquier entrada en su filmografía real, True Romance tipifica el tipo de cosas que a la gente le desagradan de Tarantino, al tiempo que afirma que su oído para el diálogo es un regalo único para su era cinematográfica. No estoy seguro de a quién recomendaría esta película, pero ciertamente es un lío interesante.

Luego revisamos pontypool, una película de terror canadiense sobre una extraña infección parecida a un zombi que se propaga en la ciudad titular. Stephen McHattie interpreta a Grant Mazzie, un impactante DJ cuyas travesuras aparentemente lo colocaron en la lista negra de las principales estaciones, lo que resultó en su nombramiento actual como disc jockey residente de Pontypool. Con un elenco pequeño y presumiblemente un presupuesto más pequeño, básicamente todo Pontypool tiene lugar dentro de los límites de la estación de transmisión de la ciudad, pero la película en realidad hace que eso funcione, creando tensión de manera constante a través de una serie cada vez más inquietante de fragmentos de noticias de última hora.

Los dos mayores activos de Pontypool son Stephen McHattie y la naturaleza distintiva de su antagonista. La cámara apunta directamente a la cara de McHattie la mayoría de las veces, y él vende efectivamente cada giro y giro, pasando constantemente de una cálida camaradería con sus amigos y oyentes a un pánico absoluto a medida que se desarrolla la situación. Tiene una voz hecha para la radio y un rostro hecho para las películas, y emplea ambos con un efecto fascinante cuando la confusión se convierte en terror y en un deseo desesperado de sobrevivir a esta crisis.

Junto con el excelente desempeño de McHattie, Pontypool también ofrece un giro en las infecciones zombis que se adapta perfectamente a su formato de reproducción de radio. En lugar de transmitirse a través del tacto o las mordidas, la amenaza de Pontypool se transmite a través del lenguaje: palabras cargadas específicas que llevan la semilla de la infección. Quienes están infectados deambulan en busca de conversación, aferrándose a frases sueltas y repitiéndolas sin comprender. El proceso de analizar la naturaleza de la infección le da a la película una fuerte dosis de energía de suspenso, y los esfuerzos de los protagonistas por evitar la infección son aún más emocionantes. Es una película totalmente tensa y efectiva, que demuestra que incluso las limitaciones de producción más estrictas pueden superarse con actuaciones sólidas y una escritura inteligente.

Nuestra casa luego continuó su viaje a través del Pandaverse cinemático, abriéndose paso a través de Kung Fu Panda 2 y 3 en rápida sucesión. El segundo Kung Fu Panda fue en realidad el mejor de los tres, partiendo de la configuración del original para ofrecer un generoso buffet de acción de artes marciales. Sin la necesidad de dedicar tiempo a convertir al personaje de Jack Black en un verdadero guerrero, la secuela deslumbra con secuencias de acción de escala impresionante y florituras estéticas que evocan tapices, con el malvado pavo real de Gary Oldman actuando como el villano más inspirado visual y coreográficamente de la franquicia.

Sin embargo, parece que la franquicia se quedó sin fuerza allí, ya que la tercera película relee en gran medida gran parte del material temático de su predecesor, aunque también es decepcionante en términos de su coreografía de artes marciales. Kung Fu Pandas 1 y 2 sirven tanto como encantadoras películas para niños como introducciones convincentes al cine de artes marciales; el tercero no es exactamente un malo película, pero es del todo normal.

Nuestra última película de la semana fue otra película clásica de aventuras de Hollywood, la reina africana. Ambientada al borde de la Primera Guerra Mundial, la película está protagonizada por Humphrey Bogart como Charlie, el capitán del barco de vapor titular que transporta paquetes en África Oriental Alemana. Cuando estalla el conflicto, un misionero local muere durante el avance alemán, dejando a su hermana Rose (Katharine Hepburn) solo con Charlie. Aunque Charlie estaría feliz de pasar la guerra en un bungalow local, Rose lo convence de embarcarse en un atrevido viaje río abajo, en el que enfrentarán rápidos, francotiradores alemanes y todo tipo de otros obstáculos en su ruta para destruir una cañonera alemana. .

Al igual que The Treasure of the Sierra Madre, The African Queen es una comida completa de espectáculo de aventuras, que ofrece una variedad de escenarios que van desde evadir las balas de una fortaleza alemana hasta desafiar rápidos y cascadas que empequeñecen a la pequeña Reina. Y en lugar de sobrecargar a su audiencia con calamidades rápidas, cada punto culminante se espacia con secuencias lánguidas de simplemente ir a la deriva en el río, disfrutar del paisaje y dejar que los dos protagonistas se enamoren lentamente el uno del otro. Bogart ganó su único Oscar por su interpretación de Charlie, un papel que ejemplifica la majestuosidad anterior a Brando de los protagonistas masculinos más grandes que la vida. Pero a pesar de todo eso, es Hepburn quien domina tanto la narrativa como la pantalla, atacando sus infinitos contratiempos con una eficiencia de hacha y un encanto incontenible. La reina africana es romántica, rimbombante e infinitamente generosa, un ejemplo perfecto del éxito de taquilla anterior al éxito de taquilla en todo su esplendor.

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