Hola amigos, y bienvenidos de nuevo a Wrong Every Time. Actualmente tengo un resorte post-Covid en mi paso, así como una tranquila sensación de vergüenza por la cantidad de trabajo que hice mientras estaba atrapado en cuarentena. Resulta que cuando no se le permite socializar o incluso salir de su habitación, no es difícil seguir trabajando desde el momento en que se despierta hasta el momento en que se acuesta. Como resultado, mi búfer de artículos nunca se ha visto más saludable, he terminado mi último proyecto ambicioso de fin de semana e incluso hice algunos progresos en la limpieza de mi habitación. Bueno, un pequeño avance. Mira, si lo hubieras visto antes, apreciarías que se ve mejor ahora.
Dejando a un lado los dudosos hábitos de vida, también tengo una buena pila de reseñas de películas para todos ustedes, recién extraídas de mi enorme bolsa de tomas. ¡Veamos lo que tenemos en la última semana en revisión!
Lo primero de esta semana fue un slasher semiclásico de los 80, Tobe Hooper la casa de la diversión. Hooper nunca recuperaría la aclamación que recibió por Texas Chainsaw Massacre original, pero The Funhouse lo reafirma enfáticamente como un maestro del terror de poder singular, con una sensibilidad estética sucia única y una comprensión aguda de la economía narrativa.
The Funhouse ve a cuatro adolescentes gravemente equivocados que visitan un carnaval ambulante, luego de lo cual deciden pasar la noche escondidos en el funhouse titular. Mientras se besuquean entre los títeres dormidos, accidentalmente presencian un asesinato a través de las tablas del piso debajo de ellos. Con un showhand infame y su monstruoso hijo persiguiéndolos, deben buscar un escape de la casa de la diversión o arriesgarse a convertirse en sus últimas atracciones.
Puedes saber cuánta confianza tiene Hooper en este material por el tiempo que tarda en aparecer el monstruo. El asesinato inspirador en realidad tiene lugar al menos a la mitad de la película; antes de eso, The Funhouse se contenta con deleitarse con el horror inherente de un circo ambulante. Los espectáculos secundarios genéticamente destrozados, los trabajadores del carnaval que miran con lascivia, las muñecas que parecen aún más aterradoras por su estado de deterioro; los circos ambulantes baratos brindan muchos de sus propios terrores, y el ligero toque inicial de esta película brinda muchas más oportunidades para vincularse con nuestros pobres adolescentes condenados.
Por supuesto, como el hombre ya responsable de posiblemente la sacudida más impactante hacia la violencia en la historia del cine, Hooper sabe muy bien cómo accionar el interruptor. El último acto de la película es un desfile de escenas de persecución maníaca y muertes de buen gusto, haciendo un uso excelente tanto de la implicación violenta como de los habitantes de muñecas de la casa de la diversión. La iluminación de neón intermitente de su prisión se explota con un efecto vívido, mientras que las composiciones explotan cada ángulo agudo y máscara sombreada para amplificar la sensación de peligro. Hooper parece poseer una habilidad única para combinar el gótico sureño con el cine de explotación, su trabajo de cámara evoca la incomodidad granulada de una noche pasada en el piso sucio. Me alegro de que exista un ejemplo de la forma tan fino y que no sea de Texas Chainsaw.
Nuestro siguiente largometraje fue uno de los aspirantes al Oscar de este año, el de Jane Campion. El poder del perro. Benedict Cumberbatch y Jesse Plemons interpretan a Phil y George Burbank, hermanos y copropietarios de un rancho de ganado en Montana. Aunque Phil parece profundamente enamorado de su estilo de vida de vaquero, George es distante, y su matrimonio con una viuda local llamada Rose genera una mayor distancia entre ellos. Phil descarga su resentimiento con la esposa de George, pero cuando su delicado hijo Peter llega al rancho, entabla una amistad poco probable con su nuevo tío.
El poder del perro es cruel, triste, lento y tan bueno. Es fundamentalmente un estudio de carácter centrado en un hombre profundamente desagradable, el complicado Phil Burbank. Aunque se enorgullece de su dureza y destreza como peón, ni Phil ni George crecieron en la pobreza o en el campo; de hecho, Phil se graduó de Yale con un título en los clásicos. Pero en algún momento de su pasado, Phil abandonó las trampas de su nacimiento y ahora se aferra a un espíritu de hombre de la frontera masculino con toda la ferocidad que puede reunir.
Incluso solo la información en ese párrafo está extraída, y el conocimiento de los orígenes de Phil solo surge durante una discusión improvisada a mitad de la película con su hermano. Durante la mayor parte de la película, solo conocemos a Phil como su actuación se relaciona con el mundo: un hombre de bajos intereses y gran falta de amabilidad, que reprende a los demás por su “suavidad” mientras posee el ego más magullable de todos. Phil es malo con su hermano, cruel con Peter y absolutamente inhumano con Rose, llevándola al alcoholismo con su constante juicio punzante. Cuando Peter llega al rancho para el verano, parece probable que Phil simplemente mate a este chico. En cambio, sucede algo muy inesperado.
Aunque la falta inicial de conocimiento de Peter sobre la mano del rancho lo convierte en un blanco fácil para burlarse, el niño aprende rápidamente y se interesa genuinamente en las pasiones de Phil. Y a medida que Phil despliega más golpes mezquinos sobre la “suavidad” de Peter, pronto se da cuenta de que Peter realmente posee la fuerza de espíritu que Phil solo puede evocar a través de sus tonterías de vaqueros. Un golpe insensible al alcoholismo del padre de Peter es devuelto con un rostro sobrio “seguro que bebió hasta el final, cuando se ahorcó y tuve que cortarlo”. La evocación de Phil de la masculinidad como una actuación hosca es una fina sábana extendida sobre un vasto vacío; a pesar de su postura desgarbada y su interés en el hula hooping, Peter ya es un “hombre” en formas que Phil codicia, pero que nunca podrá poseer.
Eventualmente, llegamos a comprender las raíces de la religión de Phil y la contradicción de identidad que lo lleva a odiarse a sí mismo y a todos los que lo rodean. Y, sin embargo, como El poder del perro está ansioso por recordarnos, el simple hecho de “comprender” a Phil no lo justifica ni compensa todo el daño que ha causado. En el período previo a la conclusión de esta película, es fácil creer que se trata de una especie de narrativa de redención, donde una nueva filosofía nacerá de viejas pasiones entrelazadas con nuevos destellos de bondad. Pero al final, es Phil quien confía en un mundo más suave y quien se deshace por lo duro que el mundo puede ser realmente.
A continuación, vimos a un par de directores de primer nivel abordar cada uno un largometraje de género tradicional, comenzando con la película de David Fincher. Habitación del pánico. A pesar de su estructura de invasión de la casa, Panic Room encaja perfectamente en la timonera de suspenso generalmente temperamental de Fincher, con su mismo enfoque en los invasores y defensores de la casa creando una experiencia atractiva del gato y el ratón. Jodie Foster aporta una intensidad deshilachada convincente a su papel de madre soltera, mientras que Kristen Stewart muestra una clara promesa temprana como su hija pequeña. Pero es innegablemente Forest Whitaker quien se roba el espectáculo, encontrando una humanidad matizada en su papel como su invasor más comprensivo. Panic Room es básicamente solo un cambio de página en general, y definitivamente una entrada menor en el catálogo de Fincher, pero es un reloj lo suficientemente satisfactorio.
Luego vimos la película de Ridley Scott lluvia radiactiva, una película que baila entre un crimen procesal y una película de policías amigos, mientras Michael Douglas persigue a un pesado yakuza por las calles de Japón. Black Rain se siente como una carta de amor de Scott tanto al cine yakuza como a la belleza cacofónica de la urbanidad japonesa de la era de las burbujas. Si has jugado alguno de los juegos de Yakuza, te espera un regalo; Scott inicialmente trató de filmar en el distrito de Tokio que inspiró a Kamurocho, y finalmente se conformó con el osaka distrito donde Majima ejerce su oficio. Como resultado, Black Rain está saturado con las luces de neón de Dotonbori, creando un profundo teatro visual a partir de sus grandes plazas y callejones laberínticos.
Aprecié cómo esta película no se preocupó demasiado por las tonterías del choque cultural entre Michael Douglas y su socio japonés, Ken Takakura. La película abarca la fricción que surgiría naturalmente de sus diferentes métodos de trabajo policial, pero Douglas, que habla con dureza, es completamente respetuoso con la cultura japonesa, y la película es lo suficientemente inteligente como para contextualizar su violencia con la sombra ineludible de la ocupación estadounidense. Mientras tanto, Takakura es una delicia como siempre, su química con Douglas es excelente y la película presenta todos los escenarios divertidos que esperarías de un maestro como Scott. Un excelente reloj en general.
Nuestra última característica de la semana fue un clásico de la era muda, El Gabinete del Dr. Caligari. Caligari es reconocida como la obra definitoria del cine expresionista alemán y, de hecho, es una maravilla del diseño visual. A caballo entre la línea divisoria entre el cine y el teatro, Caligari convierte su falta de movimiento de cámara abierto en una fortaleza, mediante la construcción de una serie de decorados elaborados y ricamente estratificados. La elección de la película de presentar a tres directores de arte separados antes de que su elenco protagónico básicamente resume su enfoque del cine: los fondos en espiral de Caligari y el elaborado trabajo de maquillaje establecen un mundo como ningún otro, donde los techos se elevan hacia puntos de fuga imposibles, y los empleados habitan en perchas amenazantes en los pasillos irregulares de la ciudad.
El diseño visual de Caligari es asombroso y me hace desear que más películas estén dispuestas a abandonar la búsqueda del realismo estético. La sensación de deambular por sus pasillos geométricamente absurdos es una experiencia más común en el anime que en la acción en vivo, que evoca los cambiantes paisajes oníricos de Casshern Sins o Madoka Magica. El sucesor más cercano a esta estética que se me ocurre es Pesadilla antes de Navidad, aunque también hay matices de este enfoque en la obra de directores como Jean-Pierre Jeunet o Terry Gilliam. En última instancia, mi lucha por pensar en paralelismos claros es un testimonio de cuán singular y efectivo es realmente el Dr. Caligari: una película obligada para cualquier persona interesada en la estética del cine.
