Hola amigos, y bienvenidos de nuevo a Wrong Every Time. ¿Cómo están disfrutando la llegada de agosto? Aunque ciertamente no estoy contento con la velocidad con la que otro verano se me escapa entre los dedos, al menos puedo apreciar la disolución de la última ola de calor de nuestro planeta en ebullición. En cuanto a asuntos más personales, actualmente estoy en el proceso de analizar los primeros ritmos de mi primera campaña de D&D dirigida por mí, y me estoy divirtiendo muchísimo con todo esto. He querido volver a escribir mi propia ficción desde hace años, y elaborar descripciones de áreas, personajes secundarios y ritmos narrativos ha sido un delicioso regreso al mundo de la creación pura. Aprovecho esta oportunidad para disfrutar de mis propios sabores favoritos de narración de historias, por lo que estoy seguro de que no sorprende que la campaña comience durante un festival de cosecha al estilo Wicker Man. Los mantendré informados sobre eso a medida que se desarrolle, pero por ahora, parece que estamos listos para la Semana en revisión. ¡Repasemos algunas películas!
Lo primero de esta semana fue una característica de Kurosawa, trono de sangre. La película es la adaptación de Macbeth de Kurosawa, que siempre me ha parecido una entrada particularmente divertida en el catálogo del bardo. No en términos de su comedia abierta ni nada: Shakespeare tiene muchas obras escandalosas e intencionalmente divertidas, y Macbeth no es una de ellas. Pero en términos de su trayectoria narrativa, siempre me ha resultado divertido cómo, a diferencia de otras tragedias de Shakespeare, nada de “La tragedia de Macbeth” se siente destinado o inevitable. Macbeth no se deshace por su arrogancia u orgullo: se deshace por el hecho de que se casó con la mujer más sedienta de sangre y hambrienta de poder de toda la tierra, que le susurra tonterías infames al oído hasta que todo el castillo se derrumba a su alrededor.
Siendo yo mismo, estoy seguro de que no sorprende que tenga un gran cariño por la malvada Lady Macbeth sin disculpas. Ella es básicamente ese meme de “Quiero una chica que me odie y me mate” en forma literaria, que posee un sinfín de esquemas sangrientos y absolutamente ninguna cualidad redentora. Es este contraste entre la supuesta inevitabilidad de la caída de Macbeth y el hecho claro de que simplemente decirle que no a su esposa habría evitado todo lo que es tan encantador para mí sobre esta obra, y los actores clave aquí están perfectamente elegidos para sus papeles. Isuzu Yamada emana una sensación de amenaza y malevolencia a lo largo de su actuación, mientras que la personalidad habitual de Toshiro Mifune se reduce a servilismo ansioso en su presencia. Y, por supuesto, las composiciones de Kurosawa son tan impresionantes como siempre, deslumbrantes tanto en la escala de sus escenas de batalla como en los contrastes precisos de sus momentos íntimos.
Durante gran parte de su tiempo de ejecución, Throne of Blood procede como una película de terror genuina, con el siniestro bosque de Spider Web Castle y los espíritus oscuros que evocan un tono de amenaza y misterio. Dentro del castillo, Mifune es perseguido primero por su esposa y luego por sus arrepentimientos, rugiendo a las sombras y blandiendo su espada sin provocación. Sin embargo, al final, sentí que la percepción de Macbeth por parte de Kurosawa no estaba muy lejos de la mía: en lugar de ser enmarcada como una tragedia aleccionadora, la caída de Macbeth es toda una farsa y payasadas, ya que sus ojos se salen de las órbitas y baila alejándose de las flotas de flechas. . Es increíble cómo la ficción puede aplanar el arco del paso del tiempo y hacernos sentir cerca de creadores varados con décadas o incluso siglos de diferencia. Ver Throne of Blood fue como compartir bebidas y bromas con Shakespeare y Kurosawa, el tiempo que nos separaba se evaporaba a través de nuestra mutua diversión con las locas aventuras de Macbeth.
El siguiente fue Víspera de Todos los Santos II, una secuela escrita y producida por la pareja original John Carpenter/Debra Hill, pero dirigida por Rick Rosenthal. Si está muy familiarizado con la cinematografía, notará el cambio de inmediato: Halloween II carece por completo de esos siniestros planos sostenidos del original, donde Myers está al acecho en una parte distante del escenario, y en su lugar se apoya en un seguimiento o una perspectiva más convencionales. tiros Pero lo que le falta a la película en delicadeza fotográfica, hace todo lo posible por compensarlo con una violencia sin sentido.
Halloween II es esencialmente “qué pasaría si hiciéramos una película completa en el tenor de los últimos diez minutos del original”, y me encanta por eso. Tanto Donald Pleasance como Jamie Lee Curtis están de regreso, y con la historia retomando momentos después de la conclusión del original, es capaz de continuar con la tensión de la conclusión maníaca del original. Con un hospital lleno de víctimas ante él, Myers se lo pasa en grande abriéndose camino hacia su presa, complaciéndose en asesinatos que van desde Sauna Too Hot hasta Needle Too Close. Mucho menos esencial que su predecesor, pero no obstante una porción exitosa de slasherdom.
Seguimos con una secuela de terror mucho peor, raspando el fondo del barril de Texas Chainsaw con Masacre de Texas Chainsaw: el comienzo. Soy tan fanático del horror popular que básicamente he repasado toda la biblioteca de Texas Chainsaw, y de cada uno de ellos, este es sin duda el peor.
Los problemas comienzan con el diseño visual de la película. El Texas Chainsaw Massacre original estaba empapado en un filtro sucio de mugre de los años 70, creando una sensación de decadencia y desesperación blanqueada por el sol antes de que algo sucediera físicamente. Por otro lado, esta versión es producida por Michael Bay y, por lo tanto, se parece a todas las películas de Michael Bay: saturación total de azules y naranjas, visibilidad prístina y una falta de confianza en el material que fuerza cada remate violento al frente y al centro en el cuadro. La visión de Tobe Hooper rara vez ha tenido un paralelo en el cine de terror; El protegido de Bay, Jonathan Liebesman, ni siquiera lo intenta y, por lo tanto, esta película parece principalmente un comercial de automóviles para la violencia.
Junto con sus profundas deficiencias estéticas, The Beginning también es solo un ejercicio cruel, inútil y feo en el estilo narrativo menos valioso: explicar por qué cada elemento de otra historia fue como fue. ¿Necesitábamos saber cómo el padre de Leatherface se convirtió en sheriff? Realmente no, y de hecho, la respuesta en su mayoría solo disipa más la mística de su predecesor. ¿Teníamos que saber cómo el tío de Leatherface perdió las piernas? Por supuesto que no, y de hecho, la respuesta es tan artificial que solo llama la atención sobre los objetivos equivocados de esta película. No estoy seguro de que haya una motivación menos valiosa desde el punto de vista artístico para crear algo que explicar las intrigantes ambigüedades de su predecesor, y me rompe el corazón que se haya convertido en uno de los ganchos principales de tanto cine reciente.
Lo siguiente fue una película de anime que tenía la intención de ver desde hace un tiempo, Cazador de vampiros D: Sed de sangre. Bloodlust es una porción de drama de acción gótica con un diseño ornamentado, que presenta diseños de personajes vigorosos y sombras que se arrastran que en realidad hacen un buen trabajo al evocar las ilustraciones increíblemente detalladas de Yoshitaka Amano. La trama de la película es sencilla: la hija de un noble ha sido “secuestrada” por un vampiro, y el medio cazador de vampiros conocido como “D” es contratado para recuperarla (junto con otros cazadores y mercenarios). Mientras todas las partes corren hacia el castillo ancestral del vampiro, D se enfrentará a una variedad de amenazas sobrenaturales, solo para descubrir que su presa supuestamente robada en realidad se fue por amor.
La narrativa de D es simple e icónica, con una historia de fondo intrincada que rápidamente da paso a un mundo cuya estética es tan poderosa que se defiende a sí misma de manera convincente. Su mezcla de tecnología postapocalíptica y florituras mágicas góticas es distintiva y, a menudo, hermosa, y el sombreado y las líneas de sus personajes son notables. La misma complejidad del arte de sus personajes significa que no existe la animación más activa, pero eso funciona bien para una historia como esta: personajes que se avecinan o se dirigen amenazadoramente entre sí es de lo que se trata la ficción gótica, y D logra ese tono con total confianza. Y las escenas de acción son impresionantes, no obstante, complementando las fortalezas estéticas de la película con la violencia brutal de un Pergamino Ninja. Bloodlust se siente como un reloj esencial para cualquiera que explore la amplitud del cine de anime, y también una recomendación fácil para cualquier fanático de la ficción gótica o la acción de fantasía oscura.
Nuestra proyección final de la semana fue Asesinos natos, el tributo de Oliver Stone a los estridentes excesos de los medios de comunicación. Woody Harrelson y Juliette Lewis interpretan a Mickey y Mallory, una Bonnie y Clyde moderna cuya fama es casi tan impresionante como su número de muertes. Mientras la cámara se tambalea a su alrededor, adoptando una saturación salvaje o una fotografía en blanco y negro aparentemente al azar, nuestros antihéroes abren un camino mortal en el suroeste, atrayendo la atención de la policía y los medios en el camino.
La estética de Natural Born Killers está profundamente ligada a un momento particular de la cultura televisiva estadounidense, cuando MTV todavía era un gigante cultural, y una sola historia lasciva podía capturar toda la atención de Estados Unidos. En la era de la posverdad de saturación de información en línea, su comentario sobre la cultura pop se siente como un envío urgente de otro mundo; por otro lado, su estética delirante, rica en un collage visual ostentoso y un trabajo de cámara inquieto, todavía se siente salvaje y vital hoy. Stone se balancea básicamente en todos los tonos en términos de desorientación visual, y su tasa de impacto es bastante buena, dado que casi todas las escenas se sienten como si estuvieran evocando el final de un mal viaje con ácido.
La película se beneficia aún más de su excelente elenco principal. Woody Harrelson es uno de los mejores actores de su generación y se sumerge alegremente en el romanticismo empapado de sangre del impenitente asesino Mickey. Su grandiosa entrevista al final de la película (conducida por un Robert Downey Jr. deliciosamente demasiado entusiasta) es a la vez un espectáculo fascinante y una oda al tema central de la película, su condena de cómo la cultura televisiva ha convertido una religión de degradación y engreimiento. Y Juliette Lewis es una de las mejores de todos los tiempos interpretando personajes que se han roto de alguna manera fundamental, y cuyos intentos de evocar un comportamiento humano auténtico solo estiran las costuras que mantienen unida su máscara. Una obra de teatro de explotación generosa y desafiantemente errática, y una vívida cápsula del tiempo de una era específica en la cultura televisiva.
