Hola amigos, y bienvenidos de nuevo a Wrong Every Time. De alguna manera, estamos a la mitad de la temporada de invierno en este punto, lo que significa que los programas al aire ahora han producido una porción de episodios dignos de una comida, que se adapta a mis hábitos de visualización modernos mucho mejor que los lanzamientos semanales. Eso significa que probablemente veré The Fire Hunter lo suficientemente pronto, pero mientras tanto, he estado siguiendo mi gratificante viaje a través de Mobile Suit Gundam con una inmersión en el seguimiento de Tomino, Space Runaway Ideon. He escuchado repetidamente que Ideon es una producción esencial previa a Evangelion, pero para ser honesto, la primera docena de episodios fue bastante decepcionante. El conflicto y los personajes de Ideon permanecieron estáticos durante bastante tiempo, pero, afortunadamente, el programa ha estado cobrando impulso en su tramo medio, por lo que espero un informe más positivo la próxima semana. Dejando a un lado a Tomino, las proyecciones de películas continuaron como siempre, con las vistas de esta semana que abarcan westerns, dramas marinos y una de las películas de venganza más improbables que he visto. ¡Hagámoslo!
Nuestra primera característica esta semana fue fuerte apache, una película de John Ford protagonizada por Henry Fonda como el desagradable nuevo comandante de un puesto fronterizo, Shirley Temple como su hija y John Wayne como el querido capitán local que intenta razonar con Fonda. Nunca antes había visto a Fonda interpretar a un villano, pero aborda este papel con deleite, cabreando literalmente a todos los que lo rodean con su mezcla de decoro militar acicalado, lujuria egoísta por la gloria y total desprecio por las necesidades o la humanidad básica del fuerte. poblaciones nativas adyacentes. Que haga todo esto sin dejar de ser eminentemente humano y en posesión de una constitución moral infalible es un mérito tanto del guión como de la actuación de Fonda; la autoimagen de su personaje es un engaño tan claro que fomenta una mecha encendida a lo largo de la imagen, mientras tanto el elenco como el público esperan su inevitable extralimitación y bien merecida caída.
Aparte de Fonda, Fort Apache es excelente en todas las formas en que las películas de Ford tienden a ser excelentes, con algunas fortalezas únicas propias. La película combina el drama personal y la comedia de conjunto con un efecto poderoso, de modo que la audiencia realmente llega a conocer a la comunidad general del fuerte y, por lo tanto, se une de manera segura cuando se encuentran en peligro. Los escenarios de acción en el punto medio y la conclusión de esta película son deslumbrantes; es difícil creer la teatralidad que estos actores realizan a caballo, y la carga final de Fonda posee toda la grandeza trágica y desesperada de una batalla de Hemmingway. Además, la película simpatiza completamente con sus personajes nativos americanos. Fonda y su ansia de gloria son el antagonista aquí, mientras que la película se preocupa por enfatizar cómo el sistema de reservas fue diseñado explícitamente para ofrecer una muerte lenta a sus habitantes. Una película en conjunto genial.
El siguiente fue Eega, una película de venganza verdaderamente única escrita y dirigida por SS Rajamouli (el director de RRR). La película está protagonizada por Ghanta Naveen Babu como Nani, un joven rebosante de amor por su vecina Bindu (Samantha Ruth Prahbu). Los dos parecen destinados a la felicidad, hasta que el rico magnate de los negocios Sudeep (Sudeep Sanjeev) decide hacer suya a Bindu. Impulsado por un ataque de ira por el afecto de Bindu por Nani, Sudeep termina matando a nuestro joven héroe, solo para que ese héroe se reencarne como una mosca común. Lo que sigue son dos horas de la venganza más absurda y extrañamente satisfactoria imaginable, mientras Fly-Nani hace todo lo que está a su alcance para atormentar y eventualmente destruir a Sudeep.
Sí, es una comedia romántica de acción sobre una mosca que guarda rencor contra un hombre humano. Y si crees que eso no funcionaría como una película dramática, claramente no estás familiarizado con Rajamouli. Incluso en esta etapa temprana de su carrera, sus habilidades para la comedia y la puesta en escena de acción son bastante refinadas, junto con esa inefable comprensión de “lo que una audiencia realmente querría ver, si dejaran de lado sus ideas preconcebidas sobre el drama cinematográfico plausible”. Donde sus otras películas ven a hombres arrojados a miles de pies solo para salir disparados de barriles en formación de ataque, o intentar vender un tigre como arma de proyectiles, Eega se deleita con las posibilidades absurdas que ofrece una mosca comprometida con un co-conspirador dispuesto (un toque brillante: el pasatiempo de micro-arte de Bindu tiene un nuevo propósito al proporcionar micro-armas para Nani).
La película es trepidante, hilarante y, de alguna manera, incluso con un toque romántico, y todo se vende con la magnífica actuación de Sanjeev como un hombre cuyo imperio es destruido por una maldita mosca. Con las películas de venganza, amar odiar la venganza siempre es una parte crucial de la ecuación, y Sanjeev enhebra fácilmente esa aguja de ser completamente antipático sin dejar de ser muy divertido de ver. Como todas las películas de Rajamouli, Eega es un tesoro de delicias audaces y es muy recomendable.
A continuación vimos el lobo de mar, una adaptación de 1941 de una novela de Jack London dirigida por Michael Curtiz, protagonizada por Alexander Knox como el talentoso novelista Humphrey Van Weyden, y Edward G. Robinson como Wolf Larsen, tiránico capitán del barco de caza de focas Ghost. Cuando una colisión en el puerto envía a Van Weyden y a la convicta fugitiva Ruth Webster a la bahía, el Fantasma los rescata y los obliga a sobrevivir a las brutales condiciones de vida bajo la vigilancia de Wolf Larsen.
The Sea Wolf ofrece un retrato insensible y duro de la vida en el mar, con el estilo de liderazgo de Larsen entre el Ahab de Moby Dick y el William Bligh de Bounty. Pero el truco de esta película, lo que la hace especial, es que Larsen realmente apreciaría ambas referencias. Fuera de la escoria y la degradación de su capitanía, cómodamente instalado en sus aposentos privados, Larsen disfruta leyendo su Milton y Nietzsche. Aunque nació en la pobreza, se ha convertido en un hombre renacentista; y, sin embargo, a pesar de todo eso, todavía mira a la humanidad y no encuentra nada que valga la pena.
Los choques filosóficos de Larsen y Van Weyden forman el verdadero núcleo de esta película, con la interpretación de Robison de Larsen hábilmente dando vida a la humanidad herida y abnegada del hombre. Van Weyden no tarda mucho en precisar el dolor en el centro de Larsen, la frustración que lo llevó a abrazar la preferencia de Lucifer de reinar en el infierno antes que servir en el cielo. Excluido para siempre de la alta sociedad, Larsen ha construido un reino donde reina la insensibilidad y los hombres abrazan sus supuestos verdaderos instintos. Y, sin embargo, ser cruel con aquellos que solo han conocido la crueldad (como dice Van Weyden) le brinda poca satisfacción: la verdadero El premio, que solo se puede lograr con la ayuda de Van Weyden, es llevar a un hombre intelectual y supuestamente “moral” a la depravación de su reino. Y así, los dos libran una batalla justa a lo largo de la película, Van Weyden intenta devolverle la humanidad a Larsen, Larsen intenta demostrar que la humanidad no es más que una bestia con ropa fina.
La actuación de Robinson como Larsen es cautivadora, pero la película también está bien equipada con una diversa colección de personajes secundarios, desde el alguna vez orgulloso médico del barco hasta sus amotinados convictos reclutados. La historia de amor entre Ruth y su compañero George Leech proporciona la textura humana para el concurso intelectual de Larsen y Van Weyden, y la película extrae una tragedia efectiva de cómo el fatalismo de Larsen envenena las vidas de todos los que lo rodean. El prolífico Curtiz le da vida al mundo del Fantasma de tal manera que rápidamente nos olvidamos de la seguridad del marco de la cámara, todo lo cual lleva a una emocionante pelea final entre Larsen y Van Weyden, una que resuelve a la perfección los viajes de sus personajes y deja al “vencedor” en manos de la audiencia. Básicamente, una película perfecta, que es igualmente exitosa como drama moral y espectáculo.
Lo último de la semana fue Una bahía de sangre, otro largometraje de terror del fiable Mario Bava (Blood and Black Lace, Black Sabbath, como un millón de otras películas imprescindibles). Llamaría a la película un proto-slasher, dado que precede a la aparición adecuada del género en aproximadamente una década, pero realmente no hay nada como un slasher que la película esté faltando activamente. Junto con Black Christmas, se destaca como una de esas películas que perfeccionó el género antes de que el género existiera por completo.
La película se centra en una bahía propiedad de una anciana que muere en circunstancias misteriosas. Mientras sus parientes llevan a cabo una sangrienta batalla de sucesión sobre quién heredará la bahía, un grupo de jóvenes despreocupados también se detiene y procede a organizar una fiesta disco dentro de una de las casas en desuso de la bahía. Estoy seguro de que puedes adivinar cómo se desarrolla eso para todas las partes involucradas.
A Bay of Blood’s ofrece un caparazón slasher tan resistente que se siente casi retroactivamente familiar, con todas sus opciones originalmente novedosas (el equilibrio del elenco, las pistas falsas, las abundantes muertes en pantalla) que ahora se leen como elementos básicos obvios del género. Básicamente, todas las formas en que esta película predice el surgimiento del slasher son cosas por las que inicialmente fue condenada; Ciertamente, es cierto que la película carece del sentido de moderación de Blood and Black Lace, pero el júbilo que genera en su desordenado asunto es la esencia de un tipo diferente de entretenimiento, en el que se renuncia a las exploraciones de la humanidad genuina en favor de espectáculos alegremente espeluznantes y humanos. los cuerpos se vuelven parte del lienzo. La cinematografía de Bava y la pintura roja de la violencia extraen una belleza descarnada intermitente de este exceso, acortando la distancia entre Suspiria y Viernes 13. La vertiginosa estupidez del hombre, la inexorable caída del hacha y el solemne y cómplice ojo de la cámara: la habilidad de Bava construyó la casa del slasher para durar.
